CINESUD, NON PROFIT DISTRIBUTION

We are a network of audiovisual broadcasting, led by a group of Latin American cineclubs under the sponsorship of the International Federation of Film Societies http://infoficc.wordpress.com

Catalogue

mividadentro-716x1024Mi vida dentro (2007)

Título: Mi vida dentro
Título original: Mi vida dentro
País: México
Estreno en USA: 00/04/2008
Productora: Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE)
Director: Lucía Gajá
Guión: Lucía Gajá
Reparto: Varios

Sinopsis:

Mi vida dentro es un documental que despega de las tragedias propias de la inmigración ilegal, tema ya ampliamente difundido por el cine en general, pero Gajá logra que se eleve a un nivel de complejidad mucho mayor: Rosa Jiménez, migró a los EEUU, se casó, tuvo una niña, hizo su vida normalmente durante casi seis años hasta el día que el pequeño al que cuidaba como niñera sufrió un accidente. El niño murió asfixiado y Rosa fue encarcelada embarazada de su segundo hijo, acusada de homicidio y maltrato infantil.

Con la mirada perdida entre los miembros del jurado una mujer rubia, delgada, de ojos claros sin el más mínimo parecido con el estereotipo de la abogada acusadora rigurosa y temible de las tradicionales series estadounidenses de tv, de repente como si reflexionara profundamente esta señora de aspecto frágil e inofensivo le pregunta a un testigo: “¿Usted podría asegurar que pese a ser mexicana Rosa es una mujer inteligente?”

Nadie en toda la corte parece tener ninguna objeción con la pregunta, como si todos estuvieran sordos, como si semejantes palabras flotaran en el aire y pudieran dispersarse sin herir a nadie.

Juez ordena reabrir el caso

http://www.informador.com.mx/entretenimiento/2011/282413/6/juez-ordena-reabrir-el-caso-que-expone-mi-vida-dentro.htm

“ARENA AZTECA BUDOKAN”

cartelPresentamos en nuestro catálogo el documental Arena Azteca Budokan (Orlando Jiménez Ruiz, México, 2014) se estrenó en el Centro Cultural Ochoymedio en Quito, durante el Festival Ecuador Bajo Tierra 3, proyectándose además en las ciudades de Guayaquil y Playas. Después fue seleccionado para la 2a. Muestra de Cine MexicanoMéxico Acá, en Uruguay, ofieciéndolo al público el 9 de noviembre en el Centro Cutural Terminal Goes en Montevideo. El día 11 de noviembre fue incluído en la sección de documentales Retratos del más acá, nuestro documental también se proyectó en el festival de cine más psicotrónico de América Latina: Zinema Zombies Fest 6, en Bogotá, Colombia.  Además Arena Azteca Budokan ha sido seleccionado para la 3a. Muestra Independiente Audiovisual Xalisco (MIAX) que tuvo lugar del 11 al 15 de febrero del 2015. Es una producción de Orlando Jiménez R., Jinetes Sampleadores de Im@genes y Citámbulos. Agradecemos infinitamente la valiosa colaboración profesional de todo el equipo que hizo posible esta realización y para festejarlo lanzamos aquí el poster oficial realizado por el artista Bernardo Flores quien realizó la fantástica ilustración enmarcado con el diseño de la talentosa  Alba Lozano, se los dejamos con la invitación a asistir a las salas si lo ven en cartelera. Aqui dejamos además sinópsis y ficha técnica.

Arena Azteca Budokan

País: México. Año: 2008-2014. Género: Documental. Dirección, investigación y edición: Orlando Jiménez Ruiz. Cámara: Orlando Jiménez Ruiz y Daren Sánchez. Acervo fotográfico de la familia Moreno León, Blog Crónica de Castas de Edgar Clément. Reprografia de acervo: César Flores Ruiz. Música: Los Elásticos y The 5.6.7.8. s’. Corrección de audio: Glenda Charles. Corrección de color: Guinduri Arroyo. Dibujos: Orlando Jiménez Ruiz. Producción: Orlando Jiménez Ruiz, Jinetes Sampleadores de Imágenes, Citámbulos. Foto fija: Joel Lugo y Lourdes Grobet.

Duración: 47 min.

Sinopsis:

Cada rincón de la arena-gimnasio “Azteca Budokan” en Ciudad Nezahualcóyotl, Estado de México está construido con las manos, sangre, sudor, lágrimas e increíbles vivencias al rededor del mundo de la familia Moreno, Dinastía de exitosos gladiadores mexicanos (Alfonso el Acorazado Moreno y sus hijos: Rossy, Esther, Cinthia, Alda Moreno y El Oriental) reconocidos internacionalmente por su calidad atlética, quienes cuentan como han construido a base de trabajo, tesón y sacrificio no solo su propio hogar sino también un sitio para la convergencia social y el desarrollo deportivo y comunitario en Ciudad Neza.

UMA PASSAGEM PARA MÁRIO, A JOURNEY FOR MÁRIO, UN PASAJE PARA MÁRIO

uma-passagem-para-marioEnglish, Spanish and portuguese information

“A journey for Mário”

Technical Specification:  Title: “Uma Passagem para Mário” / “A journey for Mário”;  Director: Eric Laurence;  Gender: documentary
Duration: 77 minutes,  Format of captation: Digital HD,  Year of production: 2013,  Country: Brasil,  Sound: dolby digital 5.1,  Cinematography : Eric Laurence y Wanessa Malta,  Director assistant : Igor Loiola,  Execute producer: Eric Laurence,  Producer: Camila Moraes e Pedro Vitor Ferraz,  Sound: Rafael Travassos e Igor Loiola,  Editor: Eric Laurence, Musical director: Plínio Profeta
Sound Editor : Eric Laurence e Gera Vieira, Mixing: Gera Vieira,  Film company: Pedra Rachada,  Co-producer: Ateliê,  Ideiaimagem y Zquatro,  Film distribution: Laurence Produções,  Distribution coordinater: Mariana Jacob

Festivals list:

– Janela Internacional do Recife (2013)
– Mostra do Filme Livre – Rio de Janeiro, São Paulo e Brasília (2014)

Be Soon:

– DocsDF – Festival Internacional de Cinema Documental da cidade do México (29 de Outubro a 9 de novembro 2014)
– Cineseptiembre – Mazatlán, México (septembre 16th to 22nd, 2014)

About the financiation, the movie script has won the Rucker Vieira prize for documentary (an brazilian script contest) and it has the support of Ministry of Culture of Brazil, Ministry of Education of Brazil and Joaquim Nabuco Foundation

Synopsis
“A journey for Mário”

Two friends decide to make a documentary film during a trip to the desert. Only a few days before the take-off, one of them – who suffered from cancer and would be the protagonist in the movie – passes away. The film and the journey remain unfinished. One year later, the director decides to resume the movie and take the trip they planned together. The deceased friend goes along, symbolically, in a journey that starts in Recife (Brazil) and crosses Bolivia until arriving in the Atacama Desert, Chile. It’s a film about friendship and overcoming death. A thought about journeys and life cycles through an affectionate trip to the desert.

Trailer

Movie on Vimeo

password: write to juliolamana@federaciocatalanacineclubs.cat

Director’s resumé:

Eric Laurence is a film diretor since 2000. The documentary “A journey for Mário” is Eric’s first feature film. He has written and directed three short movies: “O Prisioneiro”, “Entre Paredes” and “Azul” that together have won more than 60 film festival in Brazil and participate on others outside the Country. Among thoses international film festivals, feature the oficial selection of “O Prisioneiro” for the 33Havana International Film Festival, Cuba; and the oficial selection of “Entre Paredes” for the 35Rotterdam International Film Festival, Netherlands, 11 Short Shorts, Tókio Japan) and the 18 Toulouse International Film Festival, France. “Entre Paredes” also won 6 categories on Gramado Film Festival, Brazil, in 2005. Besides thoses productions, Eric Laurence also directed the documentary “No rastro do Camaleão”, established by the Ministry of Culture of Brazil.

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“Un pasaje para Mário”

Ficha técnica:

Título: “Uma Passagem para Mário” / “Un pasaje para Mário”;  Dirección: Eric Laurence;  Género: documentario;  Duración: 77 minutos;  Formato Captación: Digital HD;  Año de Producción: 2013;  País: Brasil;  Sonido: dolby digital 5.1;  Fotografia: Eric Laurence y Wanessa Malta;  Ayudante de Dirección : Igor Loiola;  Productor Ejecutivo: Eric Laurence;  Dirección de Producción: Camila Moraes e Pedro Vitor Ferraz;  Sonido Directo: Rafael Travassos e Igor Loiola;  Montaje: Eric Laurence;  Banda Sonora: Plínio Profeta;  Montaje de Sonido: Eric Laurence e Gera Vieira;  Mezcla: Gera Vieira;  Empresa Productora: Pedra Rachada;  Co-productores: Ateliê,  Ideiaimagem y Zquatro;  Distribuidora: Laurence Produções:  Coordinadora de Distribución: Mariana Jacob

Recorrido por festivales:

– Janela Internacional do Recife (2013)

– Mostra do Filme Livre – Rio de Janeiro, São Paulo e Brasília (2014)

Y entra en competición en Méjico en los siguientes:

– DocsDF – Festival Internacional de Cine Documental de la ciudad de México (29 de Octubre a 9 de noviembre 2014)

– Cineseptiembre – Mazatlán, Méjico (16 a 22 Septiembre 2014)

A nivel de financiación, la película contó con el prêmio Rucker Vieira de documentales (Concurso de guiones a nivel nacional) y el apoyo del Ministerio de Cultura de Brasil, Fundación Joaquim Nabuco y Ministerio de Educación del Gobierno .

Sinopsis

Dos amigos deciden realizar un documental y un viaje al desierto. Sin embargo, pocos días antes del viaje, uno de ellos, que sufría de cáncer, y que iba a ser el protagonista del documental, tiene una crisis de salud y fallece, dejando el viaje y la película inconcluso. Un año después, el director y amigo decide concluir la película y volver a poner en marcha el viaje que ambos planificaron juntos, con el objetivo de llevarlo simbólicamente por un recorrido que parte de Recife, Brasil, cruza Bolivia, hasta llegar al desierto de Atacama, Chile. Una película acerca de la amistad y de la superación de la muerte. Una reflexión a propósito de las jornadas y de los ciclos de la vida, a través de un viaje afectivo al desierto.

Sinopsis Corta:

Una película sobre amistad y superación de la muerte. Una reflexión sobre las jornadas y los ciclos de la vida a través de un viaje que sale de Recife, en Brasil, y atraviesa la Bolivia hasta llegar al desierto de Atacama, en Chile.

Trailer

http://www.youtube.com/watch?v=QXrPV8sJ4x4

Película en Vimeo

https://vimeo.com/96733267

contraseña: escribir a juliolamana@federaciocatalanacineclubs.cat

Sobre el director:

Eric Laurence es director de cinema desde el año 2000. El documental “Un pasaje para Mário” es su primer largometraje. Ya dirigió tres cortometrajes de ficción: “O Prisioneiro”, “Entre Paredes”, y “Azul”, que juntos conquistaron más de 60 premios en festivales de cine en Brasil, y ya participaron en varios festivales internacionales. Entre los festivales internacionales, se destaca la selección oficial de la película “O Prisioneiro” para el 33 Festival Internacional de Cine de La Habana, Cuba; así como la selección oficial de la película “Entre Paredes” para el 35 International Film Festival de Rotterdam (Holanda), 11 Short Shorts, Tokio (Japón) y el 18 Festival Internacional de Toulouse (Francia). “Entre Paredes” también conquistó 6 premios en el Festival de Cinema de Gramado, en 2005. Además de estas producciones, Eric Laurence también dirigió el documental “No Rastro do Camaleão”, realizado a través del premio del Ministerio de la Cultura de Brasil.

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“Uma Passagem para Mário”

Ficha técnica:

Título: “Uma Passagem para Mário”;  Direção: Eric Laurence;  Género: documentário;  Duração: 77 minutos;  Formato Capitação: Digital HD;  Ano de Produção: 2013;  País: Brasil;  Som: dolby digital 5.1;  Fotografia: Eric Laurence e Wanessa Malta;  Assistente de Direção : Igor Loiola;  Produtor Executivo: Eric Laurence;  Direção de Produção: Camila Moraes e Pedro Vitor Ferraz;  Som Direto: Rafael Travassos e Igor Loiola;  Montagem: Eric Laurence;  Direção musical: Plínio Profeta;  Montagem de Som: Eric Laurence e Gera Vieira;  Mixagem: Gera Vieira;  Empresa Produtora: Pedra Rachada;  Co-produtores: Ateliê,  Ideiaimagem y Zquatro;  Distribuidora: Laurence Produções;  Coordenadora de Distribução: Mariana Jacob

Lista de festivais:

– Janela Internacional do Recife (2013)

– Mostra do Filme Livre – Rio de Janeiro, São Paulo e Brasília (2014)

Entrará em competição:

– DocsDF – Festival Internacional de Cinema Documental da cidade do México (29 de Outubro a 9 de novembro 2014)

– Cineseptiembre – Mazatlán, México (16 a 22 Setembro 2014)

A nível de financiamento, o filme conto com o prêmio Rucker Vieira de documentário (Concurso de roteiro a nível nacional) e com apoio do Ministério da Cultura do Brasil, Fundação Joaquim Nabuco e Ministério de Educação do Governo.

Sinopse

Uma passagem para Mário”

Dois amigos decidem realizar um documentário e uma viagem para o deserto, no entanto, poucos dias antes da viagem, um deles, que sofria de câncer e que seria protagonista do documentário, tem um crise de saúde e falece – deixando a viagem e o filme inacabados. Um ano depois, o diretor e amigo decide concluir o filme e reativar mesma a viagem que ambos planejaram juntos, com o objetivo de levá-lo simbolicamente em uma trajetória que parte de Recife, Brasil, atravessa a Bolívia, até chegar no deserto do Atacama, Chile. Um filme sobre a amizade e a superação da morte. Uma reflexão sobre as jornadas e os ciclos da vida através de uma viagem afetiva ao deserto.

Trailer

http://www.youtube.com/watch?v=QXrPV8sJ4x4

Filme no Vimeo

https://vimeo.com/77968996

senha:escribir a juliolamana@federaciocatalanacineclubs.cat

Currículo Resumido do Diretor:

Eric Laurence é diretor de cinema desde 2000. O documentário “Uma passagem para Mário” é o seu primeiro longa-metragem. Já dirigiu três curta-metragens de ficção: “O Prisioneiro”, “Entre Paredes” e “Azul”, que juntos conquistaram mais 60 prêmios em festivais de cinema no Brasil e já participaram de diversos festivais internacionais. Dentre os festivais internacionais destaca-se a seleção oficial do filme “O Prisioneiro” para o 33 Festival Internacional do Cinema de Havana, Cuba; e a seleção oficial do filme “Entre Paredes” para o 35 Internacional Film Festival de Rotterdam (HOL), 11 Short Shorts, Tókio (JAP) e o 18 Festival Internacional de Tolouse(FRA). “Entre Paredes” também conquistou 6 prêmios no Festival de Cinema de Gramado, em 2005. Além dessas produções, Eric Laurence também dirigiu o documentário “No Rastro do Camaleão”, realizado através do prêmio do Ministério da Cultura do Brasil.

CINESUD COLOMBIA PRESENTA DOS NUEVOS DOCUMENTALES: “PUTAS O PELUQUERAS” Y “PÁJAROS DE FRONTERA, AVES DE NINGÚN LUGAR” DE MÓNICA MOYA

Los dos films, son de Yagé producciones

putas o peluquerasPUTAS O PELUQUERAS

Documental. Guión, Dirección y Producción: Mónica Moya; Duración: 52 min. País: Colombia. Año: 2012

SINOPSIS: Putas o Peluqueras es un documental d grabado en Cali y Bogotá (Colombia). Cada año decenas de mujeres trans son impunemente asesinadas en Colombia. Su único delito: atreverse a SER en un mundo que las estigmatiza, las ridiculiza, las teme y las excluye, dejándoles casi que como única alternativa laboral ser Putas o Peluqueras.

Festivales y premios:

  • Festival de cine LGBT El Lugar sin límites, Ecuador, 2012
  • Festival Internacional de Cine de Guanajuato, México, 2012
  • Festival Manuel Trujillo Durán, Maracaibo, Venezuela, 2012
  • Documenta Madrid, España, 2012
  • Docstown, Tijuana- Mexicali, México 2012
  • Festival Cine Invisible, Bilbao, España, 2012
  • Festival de Provincia Ibagué, Colombia, 2011
  • Muestra Internacional Documental, Colombia 2011
  • Festival Globale, Bogotá, Colombia, 2011
  • Muestra de Cine en Femenino, Bogotá, Colombia, 2011
  • Festival Comuna 13, Medellín, Colombia, 2011
  • Festival Ojo al Sancocho, Bogotá, Colombia, 2011

PÁJAROS DE FRONTERA, AVES DE NINGÚN LUGAR

pajaros de fronteraColombia / 2014 / Español con subtítulos en inglés / 23 / Digital

Dirección: Monica Moya; Producción: Mónica Moya; Guión: Mónica Moya; Cinematógrafo: Ramiro Ariza Castillo

Sinopsis: La violencia deja huellas irreparables en quienes la padecen, el tiempo ayuda a sanar las heridas y a seguir adelante con la vida, pero los ecos del miedo y los recuerdos quedan para siempre. Un corto documental que usa la animación en stop motion (obra del artista Felipe Restrepo) para poetizar los relatos de las víctimas y abogar porque el horror no siga dejando silencio y desolación.

¿Qué cambia en el ser humano cuando se convierte en víctima de un conflicto armado? ¿Qué implica vivir desplazado por la violencia en la frontera entre dos países? Más de un millón y medio de colombianos viven en Venezuela y Ecuador. Muchos se vieron obligados a huir, víctimas de una guerra que dura ya medio siglo. Escuchando sus historias lleva décadas Felipe Restrepo. Con ellas hace sus bocetos, sus óleos, sus esculturas y sus stop motion. Pájaros de frontera, aves de ningún lugar es una película sobre estos seres anónimos que han levantado un nuevo hogar en tierra de nadie y sobre cómo el arte es capaz de encontrar poesía incluso en los pasajes más trágicos y dolorosos. Un documental con técnicas de animación que habla, en últimas, de la capacidad de reinventarse de todo ser humano.

Premios

– Colombia Premio Ventana Andina, Comunidad Andina de Naciones.

Monica Moya

MONICA

Jaén, España 1973

Reside en Colombia desde 1997. Tras ejercer el periodismo en radio y prensa fundó Yagé Producciones para dedicarse al mundo documental. Sus producciones han estado en festivales y televisiones de todo el mundo. Su última producción fue Putas o Peluqueras (2012).

Mónica Moya es una periodista originaria de Jaén que nada más terminar los estudios se fue a buscar fortuna a Colombia con un visado de seis meses y lleva ya 16 años.  Trabajó en prensa para dar el salto al audiovisual. Ha realizado documentales por las distintas geografías colombianas. Retrató la vida de los buscadores de esmeraldas, la de los indígenas wayuu en la Guajira, los cocaleros en la selva del Guaviare en la Amazonia y temas más urbanos como las diferentes formas de buscarse la vida en Bogotá  o la vulneración de derechos del colectivo de transexuales.

Mónica Moya nació en Jaén capital y en la actualidad reside entre Bogotá y Cartagena de Indias. Estudió periodismo en Sevilla y una vez concluida la carrera quiso trasladarse a un país de latino América. Aterrizó en 1996 en Colombia pero lo mismo podía haber sido México o Argentina. Una vez que renovó el visado de seis meses, quiso quedarse un poquito más y otro poquito más hasta que se quedó permanentemente.

Comenzó en el periódico “Ya” para luego especializarse en la realización de documentales que le han servido para comprender las diferentes formas de ser del colombiano.

El primer documental que dirigió fue “Esmeralderos” (2005) sobre los mineros de Muzo, localidad a seis horas de Bogotá. Colombia es el mayor productor de esmeraldas del mundo y extrae unas piedras de alta calidad que llaman “fuego verde”. Mónica retrata a los sufridos trabajadores que se encargan de la extracción con la esperanza de encontrar una veta que les permita, si logran evitar la vigilancia de los responsables del yacimiento, llevarse una pepita.

En “Wayuu” Mónica se fue a la Guajira en donde los nómadas recorren un extenso territorio entre Colombia y Venezuela. Los nativos Wayuu mantienes sus tradiciones pero también se adaptan a los tiempos modernos.

“El rebusque” es un documental sobre las distintas maneras de ganarse un sueldo en la calle. Un retrato urbano de Bogotá a través de distintos personajes que se las ingenian para poder sobrevivir.

“La plata blanca. Cuando la coca es más que una droga” se grabó con campesinos cocaleros en la selva del Guaviare en la Amazonia, la tierra de la coca por excelencia. Se producen fumigaciones, desplazamientos y deforestación.

La última producción de Mónica Moya es “Putas o peluqueros” rodada entre Bogotá y Cali, muestra la vulneración de derechos y las vicisitudes por las que pasan los transexuales.

“Putas y peluqueras” obtuvo mención especial dentro de la categoría a la mejor obra realizada por una mujer en el 4º Festival de Cine Invisible “Filme Sozialak” Bilbao 2012.

www.kcd-ongd.org

Mónica Moya estuvo en el programa de Radio Euskadi “Levando Anclas” el 14 de octubre de 2012.

Puedes escuchar el programa:

http://www.eitb.com/es/audios/detalle/969861/levando-anclas-14-octubre–vuelta-al-mundo-coche-electrico/

VISA AL PARAÍSO EN CINESUD

Visa_al_paraiso

México aportó al catálogo Cinesud, un documental en el que se narra la participación del Gobierno mexicano en solidaridad con la República Española durante la Guerra civil española y se reconstruyen los caminos del exilio a Francia y a México.

VISA AL PARAÍSO

Lillian Liberman, México, 2010, 108 min,  documental, DVD

En 1939 el Gral. Lázaro Cárdenas envió a Gilberto Bosques como Cónsul General en Francia, en una misión humanitaria que logró salvar más de 45 mil vidas en tiempos de la 2a Guerra Mundial. Las estrategias y dificultades son narradas por los protagonistas de ese cisma en la historia del siglo XX que cambió para siempre al mundo. Con entrevistas, archivos fílmicos, fotografías y diversos documentos se reconstruyen los dramáticos acontecimientos.

Trailer:

http://www.youtube.com/watch?v=LHvxcposO44

Coordinación de programación: Gabriel Rodríguez

gaborodal@gmail.com

+ INFO:

http://treff3.net/index.php?option=com_k2&view=item&id=922:visa-al-para%C3%ADso&Itemid=3&lang=es

Un nuevo documental colombiano en nuestro catálogo: “La Hortúa” de Andrés Chaves

lahortua

Dirección: Andrés Chaves
Año: 2011
Duración: 24 minutos. VOEspañol, English subtitles
Género: Documental
Sinopsis: La Hortúa, hospital cerrado y abandonado por el gobierno colombiano en 2001, aún alberga antiguos trabajadores y sus familias que, como forma de protesta ante el histórico cierre, han resuelto vivir allí. Edificios antiguos, del que fuera el hospital más importante en Colombia, se vienen abajo mientras sus habitantes, observados en actos cotidianos, resultan calladas presencias fantasmagóricas en medio de la soledad, el silencio, la quietud, y el implícito cuestionamiento sobre el pasado y el devenir del hospital.
Closed and abandoned by the Colombian government in 2001, La Hortúa was a hospital that today shelters former workers and their families. As a form of protest to its closing, those affected moved in and are now squatting there. Buildings of what once was the most important hospital in Colombia are now crumbling while their inhabitants, as observed in their daily routines, become muted phantasmagoric beings wandering through the solitude, silence, and dusty memories preserved in the space. The answers of unavoidable questions about the past and the future of the hospital abound.
Seleccionada en el festival “Visions du Reel” 2011
 http://lahortuadocumental.blogspot.com.es
Festivales:

Festival Internacional de Cine de Barichara.
Festival Internacional de Cine de Cali
Filmar en América Latina 2011. Ginebra, Suiza.
Festival de Cine Independiente de Barcelona, L’Alternativa
London Latin American Film Festival 2011.
Documenta
Festival de Nuevo Cine Latinoamericano.  La Habana
Bogofilms.
Festival Internacional In Vitro Visual 
Toro. Festival Internacional de Experimentación
DOCSDF
Lakino Berlin
Arquitectura Film Festival
Colección 40/25: Joyas del cine colombiano
Colección Colombia de Película
Cineteca Nacional de México 
Shorts Shorts Film Festival México

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SONG FOR AMINE. A NEW CINESUD DOCUMENTARY. The hidden tragedy of enforced disappearances in Algeria

 cartellDocumentary. 52 min. España/Italia

Dir. Alberto Bougleux. Poduction Sodepau, CFDA, ZaLab.España  – Francia – Italia 2009,  VO Francés-Árabe. Subtitles: Español, Français, Italiano, English, Català

screenplay, direction, editing: Alberto Bougleux;  cinematography and sound: Alberto Bougleux, Sophie Lorant, Sebastiano d’Ayala Valva; original music: Felipe Canales;  sound editing: Carlos Pons –  Mosaic Project;  ((translations: Farida Bouabdallah; camera assistant: Fanette Bonnet;  editing assistant: Laura Jordan));  production: Sodepau, ZaLab; postproduction: Sonoblok – Barcelona

ENGLISH

The hidden tragedy of enforced disappearances in Algeria through the story life of Nassera Dutour, mother from Algiers who, after the kidnapping of her son in 1997 by the security forces, dedicated her life to the fight for truth and justice. A reflection on the consequences of State terrorism as a way for contrasting Islamic fundamentalism in a key Mediterranean country.

Every Wednesday, on Addis Abeba Square in Algiers, mothers and relatives of Algerians kidnapped by the national security agents rally in front of the National Human Right Commission. Forced disappearances in Algeria during the bloody years of the “war on terrorism” started in 1991 are officially 6.146 (more than 10.000 according to human rights associations): men, women, elders and youths, many of them having no relationship with radical Islamism which challenged the State power in the 90s. It’s the victims of the State terrorism, of tortures and unlawful executions as a State answer to the aggression of Islamist parties. Disappearances are called today “collateral damages” of the civil war. The State claims to be “responsible, but not guilty” for them. Compensation is offered to families for renouncing to the truth on their relatives. Nassera Dutour, after the disappearance of her son Amine, dedicated her life to the fight for memory, truth and justice.

ESPAÑOL

nassera_2La tragedia de las desapariciones forzosas en Argelia a través de la vida de Nassera Dutour, madre argelina que después de la desaparición de su hijo Amine en 1997, dedicó su vida a la construcción del movimiento de familiares de las víctimas, que hoy luchan por el derecho a la memoria, la verdad y la justicia.

Cada miércoles, en la plaza Addis-Abeba de Argel, las madres y personas próximas de los desaparecidos en manos del ejército y la policía, se manifiestan frente la sede de la Comisión Nacional para la Promoción y la Protección de los Derechos del Hombre. Son oficialmente 6.146 desaparecidos durante los años de la “guerra contra el terrorismo” (1991-…). Son hombres, mujeres, ancianos, jóvenes. Muchos de ellos acusados injustamente de apoyar el terrorismo islamista en la guerra civil que durante los años 90 devastó el país y dejó más de 200.000 muertos. Los desaparecidos son las víctimas de la represión y el terrorismo de Estado, de la tortura y las ejecuciones extrajudiciales, medios con los que los poderes argelinos responden a la insurrección de los movimientos islamistas armados. Las desapariciones se definen hoy como “daños colaterales”. El Estado se reconoce “responsable, pero no culpable” frente al fenómeno de las desapariciones. La indemnización que se ofrece hoy a los familiares de las víctimas se concede a cambio de la renuncia a la verdad sobre el destino de los desaparecidos. Nassera Dutour, después de la desaparición de su hijo Amine en 1997, dedicó su vida a la construcción del movimiento de familiares de las víctimas, que hoy luchan por el derecho a la memoria, la verdad y la justicia.

ITALIANO

nassera_3Canzone per Amine” racconta la tragedia delle sparizioni forzate in Algeria attraverso la vita di Nassera Dutour, madre algerina che dopo la sparizione di suo figlio Amine nel 1997, ha dedicato la sua vita alla creazione del movimento delle famiglie degli scomparsi e alla lotta per la memoria, la verità e la giustizia.

Ogni mercoledì, in piazza Addis Abeba ad Algeri, le madri e le famiglie dei cittadini algerini rapiti dagli agenti dei servizi segreti e della sicurezza militare si riuniscono in protesta davanti alla Commissione Nazionale per i Diritti Umani. Sono ufficialmente 7.200 gli algerini spariti nelle carceri durante gli anni della “guerra al terrorismo” (1991-…). Sono uomini, donne, anziani e ragazzi, molti di loro del tutto estranei al terrorismo islamico che dilania il paese durante gli anni ’90, con una guerra civile che causa oltre 200.000 morti. Sono le vittime del terrorismo di Stato, della tortura e delle esecuzioni extragiudiziali, con cui i poteri algerini rispondono all’insurrezione dei movimenti islamici armati. Le sparizioni vengono oggi definite “danni collaterali”, per i quali lo Stato si dichiara “responsabile, ma non colpevole”. L’indennizzo offerto alle famiglie è concesso in cambio della rinuncia alla verità sulla sorte degli scomparsi. Nassera Dutour, dopo la sparizione di suo figlio Amine 1997, ha dedicato la sua vita alla creazione del movimento delle famiglie degli scomparsi e alla lotta per la memoria, la verità e la giustizia.

con el apoyo de: Oficina de Pau i Drets Humans de la Generalitat de Catalunya,  Ayuntament de Barcelona

©Sodepau 2009.

http://www.memorial-algerie.org

Alberto Bougleux  (Roma, 1976),  es licenciado en comunicación por la Universidad de Bolonia y doctor en sociología por la Universidad de Florencia. Como realizador ha sido seleccionado en Berlinale Talent Campus 2008 y en European Social Documentary 2005, ha dirigido documentales de temática artística y social y proyectos de vídeo participativo en los países  del Mediterráneo. Actualmente vive y trabaja en Barcelona. Sus últimos trabajos han sido emitidos por RTVE-2 y Televisió de Catalunya.

 Filmografía

El Retratista (documental, 52’, España, 2013)

Something for Tomorrow (documental, 35’, Italia, 2012)

La Maga (documental, 7’, Italia, 2011)

Montbui, me’n recordo (documental, 30’, España, 2010)

Chanson pour Amine (documental, 52’, España-Francia-Italia, 2009)

Passacaglia – Cassià Just, in memoriam (documental, 20′, España, 2008, emitido en Televisió de Catalunya).

Libro de Família (documental, 25′, España, 2007, en concurso en Docúpolis 2007, emitido en RTVE-2).

Souvenir Srebrenica (documental, 85′, 2007, nominación a los David de Donatello 2007).

The Making of Iddu (documental, 15′, UK, 2006, presentado en el Museo de Arte Moderna del Luxemburgo).

Il paese sul ponte (documental, 45′, Italia-BiH, 2005)

Danubio, l’Europa si incontra (documental, 30′, Italia, 2004)

Cortos en Mostar (documentales, 5′+10′, Italia-BiH, 2003, en concurso en Ilaria Alpi Award 2003)

Thank you People of Japan (documental, 60′, Italia-BiH, 2002, en concurso en Videopolis 2003).

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A NEW PORTUGUESE DOCUMENTARY IN CINESUD: “PASSANDO À DE ZÉ MARÔVAS”

Passando à de Zé Marôvas 1 (2)Title: “Passing By Zé Marôvas”; Length: 30’; Format: 16:9; Year of production: 2009; Language: Portugues. Subtitles: English; Producer Ulysses do Monte – Pana Tainies;  Director: Aurora Ribeiro; Camera: David Santos; Sound direction: Diana Meireles; Idea: João Jorge Sarantopoulos; Editing: Aurora Ribeiro and Tomás Silva.

Sinopse

Every tourist coming to Portugal through Badajoz had to pass by the door of Zé Marôvas. He managed to find a way to call their attention and make them stop by his store.

Now that a new highway has been built, he can wait hours for a customer. But people and cars keep passing by and Zé Marôvas keeps passing all his time in his corner shop.

 Screenings:

DOCLISBOA 2009

Prizes:

Best Portuguese Short Movie in DocLisboa 09

Director’s Biography and curricula

Born in 1984 in Lisbon, she graduated in Film Direction from the Escola Superior de Teatro e Cinema. Her first short film, “Dear Carlos Alberto”, won several awards both nationally and internationally. “Passing by Zé Marôvas” is her first documentary film. It was shot in Redondo where she has lived 16 years of her life. She now lives in Faial, Azores.

 Awards

1st award in Mise-en-Scene International Students’ Film Festival de Delhi(India) 2007

2nd award in Arouca Film Festival(Portugal) 2008

2nd award in 17th International Short Film Festival of Cergy-Pontoise(France) 2007

Public Award no 1º Primeiras (Lisboa) 2007

Best screenplay in 8th International Film School Festival, Escuela del Cine(Uruguai) 2007

Best screenplay in the Festival de Curtas da Universidade Autónoma (Portugal) 2007

Best actress in 8th Sesily youth film festival of Tbilisi(Georgia) 2007

Special Mention in TOM de Vídeo (Portugal) 2007 

passando a de ze marovas 2

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BOLIVIAN CINEMA IN CINESUD!!

Cinemateca Boliviana proposes two movies by Diego Mondaca, one of the most promising filmmakers with more progression of Bolivia. La Cinemateca Boliviana propone a CINESUD dos películas del realizador Diego Mondaca, uno de los directores más prometedores y con más progresión de Bolivia.

la chirolaCiudadela

Documental – HD – 48 min

Titulo Original: CIUDADELA; Guión: Diego Mondaca; Dirección: Diego Mondaca; Paises: Bolivia – Alemania; Empresa Productora: MANOSUDACA video filmes; Co-productor: PUCARA films & Blinker Filmproduktion GmbH; Dirección: Diego Mondaca; Fotografía: Andrés Boero Madrid; Música: Canela Palacios; Sonido: Ruben Valdés; Montaje: Aldo Alvarez

World Premier: IDFA-International Documentary Film Festival Amsterdam 2011;

Spanish version with English subtitles

Situated high up in the Bolivian capital of La Paz, the San Pedro Prison is a bustling city within a city. It has its own church, soccer field, dental practice, shops, workshops, and carnival parades. Around 2,500 people are packed into San Pedro, but by no means are all of them prisoners: the spirited Mechita and her son keep their husband and father company – and they are not the only ones. The people of San Pedro give all the appearance of self-sufficiency, but the outside world beyond the high prison walls is a constant temptation. Their lives could have been far more wretched than this, but there is still a glimmer of hope and the lure of freedom.

CIUDADELA  captura, a través de una técnica de aparente desorden explosivo, la cárcel de San Pedro, lugar inquietante y misterioso situado en medio de la ciudad de La Paz, Bolivia.

Documental que intenta mostrar la vida y cotidiano en el interior del centro de detención, un espacio que no sigue los íconos tradicionales de cárcel y además, donde conviven las esposas e hijos de algunos internos.

A pesar de la marginación física y el prejuicio punitivo que se cierne sobre los presos y sus familias, esta convivencia única junto a la arquitectura de vivienda construye una comunidad. Más info

ciudadela1La Chirola

Documental – HD – 25 min

Titulo Original: LA CHIROLA; Creditos: Guión & Dirección: Diego Mondaca; Producción: Diego Mondaca; Asistencia de Dirección: Marie Alicia González; Fotografía: Andrés Boero Madrid; Sonido: Ruben Valdes; Música: Canela Palacios; Diseño Sonoro: Ruben Valdes; Montaje: Aldo Álvarez Morales

World Premier: Muestra DocBsAs /Premier Europea: International Documentary Film Festival 2008 – Mensión especial de Jurado.

Spanish version with English subtitles

Through his memories of the chirola (prison), Pedro makes us learn whatconfinement could imply to someone either outside or behind bars. Thefeelings, the changes, the uncertainties and the traumas generated inside alimited space and a limited situation construct his philosophy of life and freedom.

Pedro ex convicto nos lleva a través de sus recuerdos de la chirola (cárcel) a conocer lo que puede representar el encierro para una persona. Las emociones, cambios, incertidumbres y traumas que se generan en un situación límite, construyen su filosofía de vida y libertad.

BIOFILMOGRAFÍA

Diego Mondaca fotoDirector, Writer and Producer, studied film at ESCUELA INTERNACIONLA DE CINE Y TV (EICTV) in Cuba. He completed his studies in 2008 with his thesis film The Chirola which screened and awarded prizes in prestigious festivals such as IDFA, Biarritz, Mar del Plata, É Tudo Verdade and more. In 2008 Diego also founded the company Manosudaca Video Filmes to start producing his films. Diego was also awarded an exchange scholarship in documentary direction at the FILMAKADEMIE BADEN WÜRTTEMBERG (Germany). His full length documentary CITADEL, presented had his world premier in the official selection of IDFA 2011 and awarded production funds from World Cinema Fund – Berlinale, JanVrijman Fund – IDFA and Latin Side of the Doc-DocBsAs Best Documentary Project. Diego is currently developing his next film at the Jerusalem Film Lab 2012-2013 and the project was awarded for Best Feature Project at BAL.BAFICI 2012.

En 2005 ingresa a  DE CINE Y TV DE SAN ANTONIO DE LOS BAÑOS (EICTV), en Cuba, donde estudia Dirección Cinematográfica, con especialización en Documental y forma allí el “Grupo Creativo MANOSUDACA videofilmes”, con quienes en 2008 presentan el trabajo de tesis-documental , cortometraje premiado en prestigiosos festivales como IDFA, Biarritz, Mar del Plata, É Tudo Verdade. En 2009 obtiene una beca de intercambio en dirección documental en  WÜRTTEMBERG (Alemania). 2011 estrena en selección oficial IDFA-2011 CIUDADELA, largometraje documental premiado con fondos de producción Jan Vrijman Fund – IDFA, World Cinema Fund – Berlinale Film Festival y FORUM docBsAs – LATINSIDEOFTHEDOC Mejor Proyecto Documental – Premio INCAA. 2010-2011 trabaja en  UKAMAU como 1er Asistente de Dirección del largometraje “BOLIVIA INSURGENTE” del afamado director boliviano Jorge SANJINÉS. Actualmente Colabora con  Patiño como Coordinador Académico del Festival de Documental A Cielo Abierto.

Listado de premios y selección en festivales:

CIUDADELA

IDFA 2011 – INTERNATIONAL DOCUMENTARY FILM FESTIVAL Ámsterdam

+ Premier Mundial y Selección Oficial PANORAMA reflecting imagens and DOC U.

BERLINALE WORLD CINEMA FUND

Berlín, Alemania.

+ Premio de fondos de producción para

largometraje documental “CIUDADELA”.

JAN VRIJMAN FUNDS 2009

Ámsterdam, HOLLAND

+ Premio de fondos de producción para

largometraje documental “CIUDADELA”.

FORUM docBsAs09 – LATINSIDEOFTHEDOC

Buenos Aires, ARGENTINA

+ Mejor Proyecto Documental – Premio INCAA

LA CHIROLA” film documental

FESTIVAL INTERNACIONAL ESPACIOS LATINOS 2010

Lyon, Francia

+ Premio Mayor Mejor Cortometraje Documental

ENCUENTRO HISPANOAMERICANO DE VIDEO INDEPENDIENTE CONTRA EL

SILENCIO 2010

México DF, México.

+ Premio Mejor Documental de Derechos Humanos.

21° FESTIVAL INTERNACIONAL DE VINA DEL MAR 2009

Viña del Mar, Chile

+ Mejor Cortometraje Documental – Premio PAOA

ICARO – Festival Internacional de Cine y Video

Ciudad Guatemala, Guatemala

+ Mejor Documental extranjero

24° Festival internacional de Mar del plata 2009

Mar Del Plata, Argentina

+ Premio del Jurado Mejor Documental Latinoamericano

miradas doc, festival internacional de documental 2009

Canarias, España

+ Premio del Jurado Mejor Documental Internacional

Festival Internacional de Biárritz 2009

Biárritz, Francia

+ Mención Especial Mejor Documental

+ Premio Mayor Mejor Documental de escuelas de Cine Luís Lumiére

FENAVID- Festival Internacional de Video 2009

Santa Cruz, Bolivia 2009

+ Mejor Documental

+ Mejor Dirección

+ Mejor Fotografía

+ Mejor Sonido

+ Mejor Edición

+ Mejor Documental Universitario

DOCUMENTA MADRID 2009

Madrid, España.

+ Primer Premio del Jurado, Mejor Cortometraje

+ Premio del Público

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE POBRE 2009

Gibara, Cuba

+Premio Especial UNESCO al Mejor Documental que refleja la

Diversidad Cultural de América Latina.

FULL FRAME DOCUMENTARY FILM FESTIVAL 2009

Durham, NC

+ Mención Especial del Jurado, Mejor Cortometraje

E TUDO VERDADE/Its All True Documentary Film Festival 2009

Río de Janeiro y Sao Paolo, Brasil.

+ Mención Especial del Jurado, Mejor Cortometraje

IDFA – International Documentary Film Festival 2008

Ámsterdam, HOLLAND.

+ Mención Especial del Jurado, Mejor Cortometraje

Festival Latinoamericano de Cine de Rosario 2008

Rosario, ARGENTNA

+ Premio al Mejor Film de Derechos Humanos

+ Premio Oficina de Derechos Humanos

+ Mención Especial en la categoría documental.

docBsAs – Muestra Internacional de Documental 2008

Buenos Aires, ARGENTINA

Selección Oficial para Estreno Mundial

SELECCIONES OFICIALES EN FESTIVALES CINEMATOGRAFICOS

LA CHIROLA, film documental

LONDON LATIN AMERICAN FILM FESTIVAL 2010

Londres, UK

L’ alternativa Festival independiente de barcelona 2009

Barcelona, España.

IV FESTIVAL DE CINE DOCUMENTAL EN CARACAS – 2009

Caracas, Venezuela

DAMASCUS INTERNATIONAL FILM FESTIVAL 2009

Damasco, Siria.

Brazilian Student Film Festival 2009.

Río de Janeiro, Brasil

FESTIDOC- FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DOCUMENTAL 2009

Asunción, Paraguay.

FESTIVAL LATINOAMERICANO DE SAO-PAOLO 2009

Sao Paolo, Brasil.

FESTIVAL INTERNACIONAL DE DERECHOS HUMANOS 2009

Sucre, Bolivia

VISION DU REÉL DOCUMENTARY FILM FESTIVAL 2009

Lyon, Suiza

BELDOCS Feuture Documentary Film Festival 2009

Belgrade, Serbia.

RIDM- Rencontres Internationales du Documentaire de

Montreal 2008

Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano 2008

La Habana, CUBA

FIPRESCI – Asociación de Críticos de Cine de Uruguay 2008

Priápolis, URUGUAY

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FALSOS POSITIVOSfalsos positivos

Dirección: Simone Bruno y Dado Carillo; Género: Documental; 2009;  55 minutos

Idiomas: Español.- English Subtiltes; subtituli en italiano.

Through the trip of a man and a woman claiming the bodies of their beloved brother and husband the “Falsos Positivos” scandal is unfold in all his tragic dimension.
A former General, a recruiter and various members of the civil society analyzes this scandal in which more than 1600 innocent people have been killed by the Colombian army in order to be used as positive results in the long lasting war against the FARC guerrilla.
With the eyes of Noam Chomsky and the National Security Archive in Washington we discover how the US knew and yet continued to give money to the Colombian Army.

Este documental denuncia la práctica criminal habitualmente cometida por el ejército colombiano; que consiste en reclutar a inocentes en todo el territorio nacional, llevarlos al interior del país con promesas de trabajo, asesinarlos y presentarlos como guerrilleros muertos. Los soldados reciben premios en dinero por cada guerrillero muerto. El documental sigue el viaje de dos familias que luchan por la recuperación de sus parientes asesinados y profundiza mediante impactantes entrevistas a activistas, un militar, políticos y testigos implicados.

En 2009, Simone Bruno y Dado Carrillo decidieron investigar los tristemente célebres “falsos positivos” . Durante varios meses siguieron la pista a lo ocurrido y finalmente, a través de la historia de dos familias con parientes víctimas de los asesinatos de civiles por parte de miembros del Ejército Nacional, reconstruyen en un documental las diversas facetas de uno de los crímenes más dolorosos en la historia nacional reciente.

Teniendo en cuenta que como lo dice el mismo Bruno, la idea de hacer el documental era no permitir que se olvidara lo sucedido y que el tema se conociera fuera de Colombia –“Realmente no es posible que pase algo así y el mundo entero no se estremezca; un crimen tan absurdo y de proporciones tan increíbles”

De esta manera, se cumplirá otra de las intenciones que los motivó a realizar la investigación: “Queríamos romper el invisible muro de la indiferencia, mostrando las caras escondidas detrás de estas dos frías palabras, casi clínicas: falsos positivos.  Nos guió un miedo, que entre tantos escándalos, este crimen se perdiera y quedara desapercibido en su magnitud y horror, y por ende olvidado”.

“Nosotros quisimos dejar un documento histórico de lo que ha vivido Colombia con los falsos positivos, no cómo un escándalo más sino como un crimen abominable que debería llevar a la sociedad a profundas reflexiones”.

  • Falsos Positivos recibe la mención especial en el Festival Internacional de Cine de los Derechos Humanos en Sucre, Bolivia.
  • Falsos Positivos en el festival de derechos Humanos en Paris (2011)
  • Festival Internacional de cine de Cali (2011)
  • Muestra Internacional de Documentales de Bogotá (2011)
  • Collecchio Film Festival (Italia 2011)
  • Premio della Critica, assegnato dal Sindacato Nazionale Critici Cinematografici Italiani al Genova Film Festival 2011
  • Festival del documentario Arcipelago (Italñia 2011): Premio Speciale della Giuria
  • 27 opere finaliste del Concorso Nazionale. del 13° GENOVA FILMFESTIVAL.(Italia – 2011)

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MUESTRA DE CINE SANTAFESINO – ARGENTINA 3. DOS DOCUMENTALES SOBRE FERNANDO BIRRI

fernando_birri 3Siguiendo con las nuevas incorporaciones al catálogo CINESUD y cerrando los films sobre el gran realizador argentino Fernando Birri, presentamos dos documentales santafesinos que pueden acercarnos mejor a la comprensión de la obra de este artista. El primero de ellos “Donde comienza el camino” (2005) de Hugo Grosso recorre la obra de Birri desde su ciudad natal, Santa Fe, hasta nuestros días. El segundo documental “Una vez la poesía” (2000) de nuestro amado quijote cineclubista Juan Carlos Arch, reune a dos figuras de las artes argentinas como Fernando Birri y Gastón Gori. Del encuentro de estas dos personalidades sale un retrato conjunto de los hombres y su obra.

DONDE COMIENZA EL CAMINO

Sinopsis:

El andar del viejo maestro Fernando Birri -gran papá del Nuevo Cine Latinoamericano-  ha trazado una huella indeleble, que se inicia en la mítica Escuela Documental de Santa Fe y se prolonga hasta nuestros días.

Los métodos, las influencias, su rol fundador, su compromiso poético-político, su producción artística, son algunos de los tramos que conforman el camino.

A partir de la mirada testimonial de: Fernando Birri, Eduardo Galeano, Juan José Saer, Juan Oliva, Orlando Senna, Julio García Espinosa, Manucho Giménez, Maurice Capovilla, Thomaz Farkas, Alquimia Peña, Julio Lencina, Francisco Lombardi, Octavio Getino, Gerardo Vallejo, Alfredo Carrió, José Martínez Suárez, Rodrigo Díaz, Manuel Pérez, Dolores Calviño, Geraldo Sarno, Edmundo Aray,  Sergio Muñiz, Tarik Souki, Jorge Goldenberg, Salvador Samaritano, Juan Carlos Arch, Dolly Pussi, entre otros.

Ficha Técnica

Documental – 81 min. 2005- Color – DV  PAL. Español sin subtítulos

Investigación y Dirección: Hugo Grosso; Producción Ejecutiva: Milagros Alarcón; Producción: Fernando Gondard – Horacio Ríos; Asistente de dirección: Mauro Grosso; Montaje: Hugo Grosso; Fotografía: Sergio García; Posproducción de sonido: Ernesto Figge; Animaciones: José María Beccaría; Fotocomposiciones: Javier Monzón

Selección Oficial

XX Festival del Cine Latinoamericano de Trieste   

27º Festival Internacional de Cine de La Habana

AluCine  7thToronto Latin@ Media Festival  2006

12º Mostra de Cinema Latinoamericano de Lleida 

XXIV Festival Cinematográfico Internacional del Uruguay

IV Cine Pobre – Gibara -Cuba

La Sudestada – 8º Quincena de Cine Argentino en París

III Documenta Madrid

 Invitación especial

21º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata

Una vez la poesía“UNA VEZ LA POESÍA”

Documental de Juan Carlos Arch

 Fernando Birri y Gastón Gori, cronológicamente 73 y 82 años  al filmarse esta película, pertenecen a la generación de intelectuales y artistas que en la década de los 40 –cuando florecieron el teatro de títeres “Retablillo de Maese Pedro”, el grupo de poetas de “Espadalirio”, la “Academia de Artes y letras”, el Coro de los Maragno, el Teatro Universitario del Litoral, la Escuela de Artes Plásticas, etc…, hicieron de Santa Fe  y la región litoral un epicentro de estímulos culturales a la vanguardia de una problemática y una estética nacionales.

Rescatamos aquí de la usura del tiempo en este doble retrato dos de sus protagonistas, de perfiles opuestos y convergentes, que llevaron Santa Fe, “su país”- como lo llamara otro escritor santafesino, Mateo Booz –uno, Gastón Gori, a la historia de la literatura nacional, y el otro, Fernando Birri, a la historia del cine latinoamericano e internacional.

Una vez la poesía 2Tema :

Expresar la experiencia poética, artística, humana, ideológica de dos hombres nacidos del mismo suelo pero de trayectorias distintas y caracteres diversos, opuestos convergentes.  También expresar, mostrar la ciudad que los contuvo, y los  contiene.

La infancia, -El hombre –Dios – El arte y el artista – La poesía – El presente – Lugares – Referentes – Una experiencia de vida –  La locura.

Tratamiento :

Entabla un permanente contrapunto entre la palabra de los protagonistas y la imagen que lo contiene.  Los escenarios llegan a  ser protagonistas también. Del contenido de estas palabras y la imagen surge la presencia poética / creativa / humana de los protagonistas, su visión del mundo y de ellos contenidos en él. 

FICHA TÉCNICA

Dirección, guión y edición, Juan Carlos Arch; Producción Ejecutiva, Cristina Marchese; Edición previa lineal ,Walter Allemandi y  Juan C. Arch; Fotografía, Atilio Perin; Cámara ,Diego Soffici; Ricardo Pérez Miró y Pablo Romano; Astente de sonido, Diamela Pérez Miró; Asistentes de dirección, Liliana Roses y Ariel González; Asistentes de producción, Gertrudis Bassi y Ricardo Llusa; Asistente de cámara , Carlos Catania (h); Montaje Digital, Granma Estudio; Montaje Sonido, Mariano Ferrando; Making off, Miguel Pascual; Foto Fija, Luis Cazes ; Ayudante de producción , Gustavo Duarte; Jefe Eléctrico, Mario Corbo; Asistente Eléctrico, Matias Corbo;  Meritorios, Taller “El Pibe” de Cine Club Sta.Fe; Murga , Grupo PURO TEATRO

Con el apoyo de  la Universidad Nacional del Litoral y la Subsecretaria de cultura de la Nación

 Español sin subtítulos. Duración 88 minutos – Año 1998-2000 – Video Digita

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CINE ARGENTINO SANTAFESINO 2. “LOS INUNDADOS” DE FERNANDO BIRRI, PADRE DEL NUEVO CINE LATINOAMERICANO

LOS INUNDADOS Los inundados. F Birri

FICHA TÉCNICA

Dirección: Fernando Birri
Producción: PAN – Productora América Nuestra
Libro cinematográfico: Fernando Birri y J.A. Ferrando, basado en el cuento del mismo nombre del escritor santafesino,  Mateo Booz.
Director de Fotografía: Adelqui Camuso
Música: Ariel Ramírez
Edición: Antonio Ripoll
Sonido: Jorge Castronovo
Intérpretes: Pirucho Gómez, Lola Palombo, María Vera, Roberto Pérez.

Versión en español

 Sinopsis:

Narra la historia de una familia de pocos recursos, habitantes del sur de la ciudad de Santa Fe, que se ve forzada a mudarse a un vagón abandonado del ferrocarril hasta que bajen las aguas del río Salado.

 Premios:

Premio especial de jurado en el Symposium para las Nuevas Cinematografías de Asia, Africa y Latinoamérica. Fest. Int. De Karlovy Vary, Checoslovaquia, 1962.
Premio Opera Prima (Medalla de Oro León da San Marcos) (ex aequo) en la XXIII Mostra Internazionale d’Arte Cinematográfica di Venezia. 1962.
Trofeo de Oro Cabeza de Palenque en la V Reseña Mundial de Fest. Cine Int. De Acapulco, México, 1962.

Los inundados (1961) es la historia tragicómica de algunas familias de la norteña provincia de Santa Fe, Argentina, damnificados por las inundaciones que cíclicamente se abaten sobre la región, pero se concentra ante todo en lo sucedido a la familia Gaitán: Dolorcito, su mujer Optima, varios hijos, y entre ellos la adolescente Pilar. Desde la primera toma -de diversos objetos caseros que flotan-, la película muestra su decisión de incluir humor en la tragedia. Sin perder de vista la humanidad de sus personajes, evita con cuidado convertirlos en prototipos de explotados sociales, pero tampoco pierde de vista numerosas oportunidades de satirizar a los políticos, al gobierno, a la burguesía pretendidamente “solidaria”, a la burocracia, y hasta a sus propios personajes humilde.

Los inundados 2. F BirriDolorcito despierta literalmente inundado: baja los pies de la cama y se encuentra con que el agua invade la habitación. Su mujer le reprocha, “Yo te lo decía…”, en el mejor estilo rioplatense de recriminación gratuita. A partir de ese momento, se suceden las situaciones tragicómicas, y lo que más se le agradece a la película es su constante sentido del humor, a través del cual logra criticar dicharacheramente los vicios sociales y políticos referidos. El gobierno -en plena época electoral- promete construir el “tajamar” ya otras veces prometido; los candidatos explotan la desgracia de los “inundados” en beneficio de su partido y elaboran discursos demagógicos. Hay diálogos absurdos, como el del abogado Canuga cuando intenta evitar la desocupación judicial de los vagones de tren parados y convertidos por emergencia en casa-habitación. Es aún más cómica la secuencia en que Dolorcito ya no se despierta inundado sino en movimiento: han prendido el vagón-casa a una locomotora y él y su familia viajan con rumbo desconocido. Luego, la burocracia enreda su madeja: se abre un expediente para investigar el caso del vagón (ya célebre en todo el país, gracias a los periódicos), y mientras tanto la familia Gaitán no puede regresar a Boca del Tigre, de donde partiera.

Cuando al fin llega el expediente, ellos han empezado a sentar raíces en el lugar en que han sido arbitrariamente parados, y tienen nuevas amistades, y Dolorcito ha ganado un juego de bochas. Otra secuencia antológica ocurre cuando el jefe de estación, harto de los visitantes, da salida al tren y Dolorcito debe correr y perseguirlo, mientras hijos, esposa y perros lo animan en su carrera. De regreso al pago después de la aventura, el paterfamilias reflexiona en voz alta, con nostalgia: “Aquello sí que era vida. Ahora vaya a saber pa’ cuándo será la otra inundación”.

La película es un sabroso retrato de la cultura popular, puntuado por sambas camperas de Ariel Ramírez y payadores vernáculos. Sin embargo, Birri se encontraba más cerca de su fresca experiencia italiana y la influencia neorrealista (aunque en Italia el Neorrealismo hubiera perdido vigencia) que del folklorismo tradicional. La película posee un tono neorrealista, por el sector social originario de sus personajes principales, por la escenografía “natural” (aunque cuidada al detalle) y por el empleo de muchos actores igualmente “naturales”. Estos actores (mezcla de actores profesionales, payadores y vecinos) cumplen su papel a la perfección, asistidos por un guión preciso y punzante, y por una fotografía espléndida, y parecen en todo momento disfrutar las circunstancias humorísticas compartiendo ese gozo con los demás.

Lo que distingue aquí a Birri de sus coetáneos, a diferencia de otras películas sociales de la época, es el calor humano con que se diseñan los personajes, así como su voluntad de exhibir el carácter aprovechado y pícaro de los mismos. Aunque todos viven al borde de la excentricidad, no hay caricaturas, y el humor no se produce sólo a costa suya, sino ante todo por las situaciones vividas. Así, cuando la familia Gaitán comienza a recorrer la República Argentina porque algún burócrata ordenó sobre el papel el enganche de su vagón, la situación es cómica pero la burla se orienta hacia la burocracia. El otro blanco de la crítica mordaz es la política, y hay abundantes situaciones que dejan en claro la hipocresía de los candidatos, así como el sabio escepticismo de los pobres.

La producción de este film fue totalmente marginal respecto a la industria cinematográfica argentina; se basaba en un cuento cuyo autor había muerto muchos años antes, y dependió ante todo de la iniciativa, el talento y la energía de Fernando Birri y sus colaboradores, así como del apoyo sui generis de la Universidad Nacional del Litoral.

La historia de los inundados

La película Los inundados está basada en el cuento de Mateo Booz publicado en 1934 en el libro “Santa Fe, mi país”. Fue realizada por estudiantes del Instituto de Cinematografía de la Universidad Nacional del Litoral  y contó con un aporte parcial del Instituto Nacional de Cinematografía. Fue la única película de la Escuela Documental de Santa Fe de ficción y, sin abandonar el planteo testimonial y crítico de la realidad, e incorporando la experiencia previa  del cortometraje Tire dié, logró llegar a un público más amplio y fue vista en los cines comerciales.

Los inundados cuenta la historia de una familia que vive en un rancho ubicado sobre el valle fluvial del río Salado, en el extremo sur de la ciudad de Santa Fe. El padre, don Dolorcito Gaitán, es changarín, la madre, Óptima, es empleada doméstica. El relato comienza cuando la creciente del río inunda el barrio y la familia y sus vecinos, deben abandonar sus viviendas para ser traslados a los vagones ferroviarios en un predio cercano al centro de la ciudad. Pero, al poco tiempo de instalados, se los quiere llevar a vivir a las comisarías porque el campamento inundado afea el centro de la ciudad (en el cuento,  porque se necesitan los vagones para la cosecha). La familia Gaitán se niega a ser nuevamente trasladada con el resto de las familias inundadas y, por error, su vagón es enganchado en una formación ferroviaria que se dirige hacia el norte.

En la segunda parte de la historia, que se desarrolla solamente en la película y en el cuento apenas se la menciona, el tren de los Gaitán es detenido en un pueblo a la espera de la autorización de la empresa ferroviaria para retornar a Santa Fe. A su regreso, la familia vuelve al punto de partida, al lugar donde estaba ubicado su rancho para reconstruirlo junto a las demás familias inundadas. Se cierra así una historia circular que se arma a partir de eventos que determinan sucesivos traslados de la vivienda para retornar al punto de partida.

La película agrega una historia romántica de carácter secundario que es el noviazgo de Pilar, la hija mayor, con Raúl, que no se vincula directamente con la problemática central de la historia (inundación – viaje en tren) pero que ayuda a cerrar el relato con el reencuentro de los amantes.

Cómo se cuenta la historia

La renovación del lenguaje cinematográfico que propuso el “nuevo cine argentino” de los ´60 giraba, según Mario Berardi (2006), en torno a dos cuestiones. Una de ellas es la liberación de la cámara ya sea para filmar “cámara en mano” o para crear  planos atípicos y desestabilizados que permitían construir imágenes oníricas o recuerdos borrosos. En Los inundados no se usaron estos recursos ni ningún otro mecanismo retórico que altere el significante porque lo que se perseguía era el “efecto de verdad”. En este sentido la formación neorrealista de Birri en Roma determinó que la estética de los films del IC -UNL estuviera orientada a lograr un efecto de realismo dejando de lado las búsquedas formales que se alejaran de él.

La otra característica era el distanciamiento, es decir la aparición de elementos que indicaban que se trataba de un discurso personal sobre el mundo y no un pedazo de realidad. Birri empleó este recurso en las miradas a cámara de los personajes y en el empleo de la voz en off en el prólogo y en el final del film,  donde se hace evidente que lo que se va a ver  o lo que se vio, es un relato que realiza el personaje principal, don Dolorcito.

Prólogo: Voz en off – don Dolorcito Gaitán:

“Yo voy a contar la historia mía y de tantos otros. La historia de mi familia…”

El distanciamiento en este caso opera de dos formas, por un lado deja claro desde dónde se narra la historia, desde el punto de vista del inundado. Pero, por otro lado, lejos relativizar el valor de esta mirada parcial, la legitima para presentarla como la verdadera. Para ello, apela a la construcción de una retórica del realismo que elabora a partir de la manipulación de elementos propios del lenguaje cinematográfico como los movimientos de la cámara subordinados a la acción, los encuadres determinados por la forma en que se perciben las cosas en la realidad, respetando siempre la altura del observador, el empleo de la voz en off, de actores del medio local que usaban expresiones propias del lugar y una rigurosa reconstrucción de los escenarios. En este planteo no había lugar para distorsiones de la imagen, ni para abundantes apelaciones al espacio en off, ni para largos planos subjetivos, ni crescendos musicales, ni montajes en continuidad ya que lo que se intentaba era establecer una congruencia completa entre la representación de la realidad y la experiencia vivida que, según Bill Nichols (1991), es el modo en que el neorrealismo arma el nexo afectivo entre el espectador y los personajes.

Esta retórica de realismo, sustentada por un exhaustivo trabajo documental, le permitió a Birri dar cuenta con precisión de un problema social, creando un fuerte vínculo, no sólo,  con los personajes sino, también, con el ambiente local que fue más allá del testimonio y que resultó determinante de la configuración formal del film, otorgándole una coherencia estilística regional.

La historia desde adentro:

 “el clientelismo y la sátira”

La crítica social es incorporada en clave de sátira, sin dramatismo, uniendo la denuncia y la picaresca criolla. Birri (2007) apela al recurso de la picardía, en contraposición al humor burgués  porque lo considera un elemento propio de las clases populares, que actúa como defensa frente a lo impuesto y activa un pensamiento anticonvencional. Por otra parte, le permite descargar la historia del peso dramático de la pérdida y desplazar la atención de la narración a los personajes, que son el eje central del relato. A su vez, se constituye en el elemento que facilita  la incorporación de la reflexión y de la mirada crítica sobre la realidad, dentro de un film pensado para ser exhibido en cines comerciales.

El personaje principal, don Dolorcito, es quién lleva adelante la sátira. Despeinado, con su vestimenta descuidada, su forma de hablar típica del litoral, sus gestos, sus miradas a la cámara  lo convierten en un personaje gracioso y expresamente pícaro. Pero no es el único. Como decía la propaganda de la película, ésta es “una historia de pícaros donde todos son pícaros”. El clientelismo, que moviliza tanto a los políticos como a los inundados, establece un doble juego de intereses que se pone en evidencia en la secuencia del acto político, en los diálogos con el periodista y en la escena en el comité. Antes de las elecciones, los candidatos prometen a los inundados dejarlos permanecer en el predio del ferrocarril, pero cuando asumen al gobierno, son desalojados. Del mismo modo, don Dolorcito toma las provisiones que le son entregadas pero se niega a ser trasladado. La pregunta latente es: quién usa a quién, quién es más pícaro, ¿el inundado o el político?

Tanto la película, como el cuento de Booz son una crítica al clientelismo y exponen abiertamente las relaciones de dependencia entre políticos y este sector de las clases populares. Durante toda la historia, la familia inundada reconoce en esta situación la oportunidad para obtener lo que en  circunstancias normales le es negado. Para ello, transforman su estigma (haberse inundado) en emblema (“soy inundado”). Éste le permite, en desigualdad de condiciones, negociar con los políticos, con la prensa, con sus patrones  para sacar el mayor rédito. La escena con los dos hombres en el predio ferroviario da cuenta de ello:

 Hombre 1:¿Recién se levanta?

Don Dolorcito: Desde las cinco que estoy mateando (peinándose, con cara de dormido) Como pa´ dormir con esta desgracia.

Hombre 2: Hemos venido a ofrecerle una changa para descargar esos cajones.

Hombre 1: Se puede sacar unos buenos pesos.

Don Dolorcito (tomando mate): Pero hoy no va a poder ser don, además yo soy inundado, sabe?

Hombre 2: No les importa nada, ni el país ni nada!

El personaje de don Dolorcito en este diálogo, en el que se niega a trabajar argumentando “soy inundado”,  pone en evidencia su posición subalterna destacando lo que lo constituye como tal y potenciando, a la vez, su reclamo de asistencia hacia la clase dominante. Esta actitud, que disuelve su capacidad para intervenir activamente y cambiar su situación, es el elemento clave que permite narrar el conflicto desde la sátira. Es decir, la picardía aparece cuando don Dolorcito acepta su situación subordinada y se da cuenta de cómo puede mejorarla (no cambiarla) siguiendo el juego planteado por la política.

El conflicto entre clases

El film plantea una polaridad entre la clase urbana y los inundados sin elementos o personajes que medien entre ellas. Están por un lado, el gobierno, los candidatos, el procurador Canudas, la patrona de doña Óptima, y están por el otro, los inundados. Esta visión polarizada es acentuada por la vestimenta, los modos de hablar y los escenarios donde cada grupo se mueve. El contraste es muy claro al comparar las viviendas de unos y otros: mientras que la vida de los inundados se desarrolla en un ambiente semi rural, a la vera del río, con animales, en contacto con la naturaleza, las clases no inundadas viven en la ciudad, en un ambiente urbano enfatizado por la  reiterada propaganda de los nuevos departamentos en torre que se escucha en varios momentos del film, o por las escenas en la peatonal con los bares, los negocios, carteles y vidrieras. 

El conflicto entre ambos grupos surge a partir del traslado de los inundados cerca del centro, “frente al modernísimo edificio de correos”, como dice la carta de lectores que lee el patrón de Óptima, en la cual se solicita que “esta pobre gente” sea ubicada en otro ámbito porque el campamento construido en el predio ferroviario, junto a los vagones,  presenta una imagen poco atractiva de la ciudad. Por otra parte, esta misma clase urbana, en una actitud asistencialista, realiza colectas y donaciones para ayudar a los “pobres inundados”, colocándolos en un lugar pasivo  a la vez que evidencia su influencia  dentro del ámbito de la ciudad.

El problema de los inundados aparece cuando los quieren trasladar a las comisarías y con ello ven empeorar sus condiciones de vida, ya, de por sí,  deficitarias. Para evitarlo, buscan a alguien que los defienda de lo que consideran un atropello, en este caso le piden colaboración al doctor Benítez, candidato a concejal. Pero, a pesar de las promesas del político, el gobierno finalmente los desaloja y la mayoría de las familias termina obedeciendo la ley.

Por otra parte,  la solución del conflicto central del film –la inundación- viene de la mano de la propuesta del mismo candidato con la obra pública: un tajamar que proteja a las viviendas de la costa de las crecientes. Los inundados, por su parte, no proponen ninguna alternativa, ni piden un tajamar, ni piden no inundarse, piden asistencia. Lo que muestra, una vez más,  la polaridad  con que se presentan las dos posiciones diferentes sin elementos contundentes que alcancen a mediar entre ellas salvando las distancias.

Como se afirmaba anteriormente, el conflicto planteado gira en torno al acontecimiento de la inundación, más puntualmente,  en torno a las prácticas clientelares que  ella genera entre la clase dirigente y un sector de las clases populares: los inundados. Tanto el cuento como el film se centran en este hecho y no avanzan en una mirada más amplia del problema de los asentamientos informales ni de la pobreza. La mirada crítica sobre las injusticias sociales y sobre las relaciones de dominación se circunscribe a un grupo particular en una situación especial, que, si bien no alcanza a dar cuenta cabalmente de las transformaciones sociales en la Santa Fe de los ´60, elabora una mirada reflexiva de las prácticas sociales derivadas de la inundación tomando en cuenta el punto de vista de los menos favorecidos.

En la presentación de la historia, el clientelismo y la pobreza son considerados como productos del asistencialismo pero esto no implica que el Estado se desentienda de su responsabilidad hacia los más pobres o necesitados sino que interviene de otro modo: con la obra pública, evitando la inundación y, por consiguiente, la ayuda social directa. Estos dos modos diferentes de acción del Estado respecto del problema de la inundación aparecen expresados en el final del film en las posiciones de don Dolorcito y su mujer. Ella manifiesta un malestar relacionado con la necesidad de asentarse en un lugar definitivo y no volver a mudarse más:

 “Que quiere que le diga, es mi casa y es todo, aquí he pasado toda mi vida. Pero no me hallo. No es por pretensión… no sé que me pasa.”

 Lo que avala el tajamar como una obra que  finalmente resuelve el conflicto, es decir que evita que estas familias tengan que reconstruir una y otra vez sus viviendas. En cambio,  él espera ansioso la próxima inundación y termina el film mirando a cámara y diciendo:

  “Ahora vaya a saber cuándo será la próxima inundación”

 Es decir, espera la próxima oportunidad de volver a obtener asistencia.  Este contrapunto de voces en la pareja, aparece en otros momentos del film por ejemplo cuando ella le insinúa que vaya a trabajar y él responde con ironía:

 Él: Y cuánto te dijeron que pagan la bolsa?

Ella: Hasta 70 $ y podes recoger hasta 10 bolsas por día

Él: Ajá? (irónico) 

Por otra parte,  el personaje de Óptima desarrolla el vínculo de la familia con el pasado y el futuro a través de la relación con su madre fallecida y con su hija, lo cual se pone en evidencia cuando reza junto a la foto de su madre y en el monólogo en el pueblo mientras Pilar mira las fotos de una novia en una revista (¡Ojalá se encuentre un muchacho bueno…!). Esto le confiere al personaje una dimensión histórica y una riqueza narrativa ausente en su cónyuge, que la contrarresta con la picardía y el humor.  

Óptima se presenta, entonces, como la voz de la clase media urbana (insistiendo para que su marido trabaje, reprochándole por tomar de más, preocupándose del futuro de sus hijos) y Dolorcito es la representación que esa misma clase hace de la voz popular (vago, borracho, pícaro, viviendo de la asistencia). Ni uno ni otro personaje desarrollan su reclamo en relación a la participación política o a la acción directa para cambiar la situación, ellos solamente reclaman asistencia para mejorar sus deficitarias condiciones de vida.

La historia desde afuera

“La cultura popular supone una operación que no se confiesa. Ha sido necesario censurarla para poder estudiarla”. Michel De Certeau (1999)

El Instituto de Cinematografía de la UNL (1957) surgió a partir del proceso de normalización y de desperonización de la universidad iniciado después del golpe del ´55 y se constituyó en el ámbito de trabajo de un grupo de intelectuales que trató de vincular la universidad con las problemáticas locales. Como explicaba Ángela Vera (2009), directora del Instituto Social (luego Departamento de Extensión Universitaria) organismo del cual nace el IC-UNL: “Buscamos a través del Instituto de Cinematografía una nueva forma de comunicación con nuestro pueblo en su dimensión real.” Esta nueva forma de comunicación, se inscribía en el nuevo proyecto desarrollista que se estaba llevando adelante en el país. La película Los inundados (1961) puede entenderse como una producción cultural propia de los años que siguieron a la caída de Perón en el marco de esta nueva política de desarrollo.

La herencia dejada por el peronismo, sobre todo el imaginario arraigado en las clases populares, fue una de las preocupaciones de los gobiernos posteriores al ´55. Como afirma Felipe Martínez (1997), a finales de los ´50, el ámbito de lo simbólico fue un objetivo a conquistar por parte de la nueva clase dirigente para apropiarse del vacío de poder dejado por la ausencia de Perón. Para ello se intentó, por un lado,  presentar una continuación con el peronismo y, por el otro, imponer concepciones propias del imaginario social creado las décadas anteriores, redefiniendo los símbolos peronistas de acuerdo a las necesidades. En el caso de Los inundados aparecen tanto elementos de continuidad, como por ejemplo el nombre del hijo menor de los Gaitán, Juan Domingo, o la canción con la melodía peronista que cantan en el camión que los traslada hacia el campamento, como  redefiniciones de los símbolos peronistas, la apelación recurrente a la argentinidad con la frase “somos todos argentinos”.

En el film analizado, tal como en los noticieros cinematográficos de fines de los ´50  estudiados por Felipe Martínez (1997), el imaginario peronista dejó paso a otro semejante pero con una carga ideológica diferente. La “clase trabajadora” se transformó en la  “familia argentina”, la “justicia social” se convirtió en  “solidaridad” o en “paz social”, los trabajadores pasaron a ser “ciudadanos” o simplemente “argentinos”. Esto puede apreciarse en el prólogo del film donde don Dolorcito afirma: “Esta es la historia de familias argentinas”,  en el acto político en el cual se reparten víveres se ve un cartel que dice: “Jornada de la Solidaridad Social. Día del Inundado”.

Respecto de la relación del film con el momento histórico, sobre todo, teniendo en cuenta el énfasis en el carácter testimonial del mismo, es interesante observar que los personajes y las relaciones entre ellos no alcanzan a dar cuenta cabalmente de las transformaciones sociales, económicas, culturales, sucedidas durante los años que median entre el libro de 1934 y el film de 1961. Es decir, que a pesar de la adaptación realizada, se siguen manteniendo algunas caracterizaciones de  los personajes y algunas de las relaciones entre ellos tal como eran en la década del ´30.  Por ejemplo el doctor Canudas, el político que pretende ayudar a los inundados (de hablar pausado y remarcando la pronunciación, con un lenguaje pomposo completamente distinto al de ellos y totalmente ajeno a sus desdichas cotidianas) responde al estereotipo del caudillo conservador. Por otra parte, los inundados son presentados como ingenuos y fácilmente manipulables, no del todo concientes de sus derechos, como lo muestra la  secuencia en la cual van a ver al candidato (doctor Benítez) al diario y son engañados por el oficinista, que alude a ellos como “esta pobre gente”.

La adaptación del cuento al presente incorporó vestimentas, canciones, expresiones del hablar cotidiano, pero no alcanzó a plasmar totalmente las transformaciones que en las clases populares provocó el peronismo. El cuestionamiento que, a partir del ´45,  se instaura en la escena social de los supuestos concernientes a la relaciones sociales, las formas de deferencia y los acuerdos que reconoce Daniel James (1998), no son puestos de relieve en esta historia, así como la recuperación del orgullo y la autoestima de las clases populares. Es más, los inundados no se reconocen a sí mismos como “clase”, son un grupo de vecinos sin organización interna que no tienen empleos formales. Por lo tanto, al momento de actuar y reclamar,  lo hacen como atomizados ciudadanos individuales, ya que ninguna institución media entre ellos y el Estado (solo lo hace,  el caudillo político, si con ello obtiene algún beneficio).

Las escasas menciones al peronismo que incorporó Birri no resultaron un problema para la política antiperonista de la época, sobre todo, teniendo en cuenta que, por otra parte, el film incorpora un tratamiento de las clases populares que redefine los términos del imaginario peronista desvinculándolos de los aspectos partidarios y abriendo su significado hacia el conjunto de todos los ciudadanos argentinos, independientemente, de su filiación política.

Los inundados en el cuento y en el film

A diferencia del film,  el cuento Los inundados  no plantea la polaridad de clases ni los conflictos entre ellas ya que es un relato centrado en la familia Gaitán,  con muy pocas referencias a otros personajes que se agregan en la película. Por otra parte, el personaje central, don Dolorcito, en el cuento no es presentado como un vago sino como un buscavidas, que, como última instancia, recurre al clientelismo, tampoco es tan ingenuo ni manipulable y no depende en todo momento de las acciones de otro para lograr lo que quiere. Esto se pone en evidencia en el diálogo con el policía cuando lo quieren desalojar del vagón ferroviario:

Él: Conozco mi derecho y no me van echar!

A diferencia del anterior, el personaje de Óptima en el film crece en importancia y es clave en el  desarrollo de la historia, dejando de ser secundario para  ponerse a la par de su cónyuge. La resolución final, también, difiere en uno y otro, en el cuento, la familia recibe una indemnización del ferrocarril por haberlos desalojado y vuelven a su rancho, en términos de Booz, “más lucios y pelechados” mientras que, en la película, regresan al mismo lugar sin más que el recuerdo y la experiencia de haber viajado.

Las adaptaciones realizadas por Birri tendieron, por una parte, a incorporar al relato la presencia de la clase media, ya sea en la carta de lectores, en las colectas de las jóvenes por la peatonal, en los patrones de  Óptima, y en su propia voz, que, en la historia original, es paralela a la de  su cónyuge; y por la otra, a dar un nuevo giro al final del relato. 

En la última parte del film, cuando el vagón de la familia Gaitán es detenido en un pueblo a la espera de la autorización para regresar, se arma un escenario diferente. El  pueblo vinculado a la explotación agropecuaria, se presenta como un lugar próspero, con vecinos solidarios, bien vestidos y aseados que integran rápidamente a la familia a la vida de la comunidad (“Don Gaitán ya es uno de nosotros”). No sólo no se presenta ningún conflicto de clases – de hecho las relaciones entre los personajes muestran una comunidad homogénea –  sino que, este ámbito parece tener la capacidad de limar asperezas familiares, la madre ya no grita sino que habla, de inculcar buenos hábitos, por ejemplo, se muestran los hijos yendo a la escuela, y de corregir los defectos que la ciudad y la política ocasionaría en las clases populares. Esta visión idílica de la vida en el campo tiene su punto culminante en la escena de la comida familiar, la noche previa al regreso, donde los Gaitán tienen todo: comida, armonía, paz familiar.

Esta identificación de los inundados con el ambiente rural podría entenderse a la luz de lo expresado por Michel De Certeau (1999) quien afirma que la vinculación que se plantea de lo popular con lo campesino, en relación al folclore, es consecuencia de la amenaza que avanza desde las ciudades: las clases trabajadoras. De esta forma, se separa lo popular – campesino, por un lado y lo urbano – proletario, por el otro. Allí en medio de la pampa húmeda, rodeados de plantaciones, cosechadoras y animales, la familia Gaitán descubre lo grande y lo rico que es el país y también descubre una unidad familiar desconocida. Esto es posible lejos del ambiente urbano, de los políticos, de los vecinos del centro y,  a la vez, de todo aquello que pueda evocar el reclamo de las clases populares por ocupar un lugar más activo en la construcción de su propio destino y participativo a nivel social.

A partir del agregado que incorpora Birri sobre el final de la historia, se desprende una reflexión sobre las caracterizaciones de criollos e inmigrantes. A principios de siglo, buena parte de la producción cultural de nuestro país destacaba las virtudes del gaucho (criollo) como una respuesta ante el aluvión inmigratorio, que, en el caso de provincia de Santa Fe, fue un importante aporte de mano de obra para el trabajo rural. En los ´60, cuando la integración entre unos y otros ya se había efectuado y el modelo de país agroexportador había dado paso a la industrialización, Birri, un descendiente de europeos, invierte los términos y presenta las virtudes del lado de los campesinos en contraposición a los criollos, en este caso, los inundados. Tanto el nacionalismo de principios del siglo XX,  como esta propuesta de los ´60,  recurren a la visión de un pasado rural idealizado como expresión de lo nacional pero, a diferencia del primero, las transformaciones operadas en el mercado y en el agro con la introducción de nuevos cultivos, la tecnificación, la expulsión de mano de obra, fueron cambiando el valor simbólico del “campo” dentro del imaginario colectivo, alejándolo de las clases populares, que, en su mayoría, fueron a poblar las periferias de las grandes ciudades. Por lo tanto, la visión idílica de la vida rural que plantea Birri al final del film, responde más a una acción creativa del director para potenciar su propuesta y darle fuerza expresiva que a un relevamiento documental basado en situaciones verídicas.

Fin

 

Los inundados de Birri son personajes que presentan un alto grado de credibilidad respecto de su imagen, sus gestos, sus ropas, pero no son la encarnación de la voz popular. La narración de la historia, tanto en el cuento como en el film, no está poniendo en escena la propia voz  de las familias más pobres de la costa del litoral argentino. Como afirma Michel De Certeau (1999), a la cultura popular ha sido necesario censurarla para poder estudiarla, por lo tanto, lo que presenta el film es una voz que media entre la cultura popular del inundado y la interpretación que realiza un cineasta universitario como Fernando Birri comprometido con las problemáticas de los más humildes.

Por otra parte, los personajes mantienen algunas características presentes en el cuento original de 1934 que no alcanzan a dar cuenta de las transformaciones sociales sufridas en nuestro país después del ´45, como el desarrollo del sentido del respeto y del derecho que el peronismo había desarrollado en las clases populares.  Pero esto no aleja la historia de la realidad ni impide que resulte verosímil.  El exhaustivo trabajo documental realizado por Birri y el compromiso social presente  en todo el planteo de la Escuela Documental de Santa Fe, otorgan al film un valor y una fuerza poética propia que le da unidad, coherencia y que lo diferencia de otras propuestas del mismo momento histórico. En este sentido, es de destacar el hecho de que se haya logrado realizar una película   para ser exhibida en los cines comerciales, que aborda una problemática de las clases populares con precisión documental, proponiendo una reflexión crítica y cuestionadora sobre la realidad. Para lograrlo, Birri,  apela a la sátira y a una retórica del realismo que, en el planteo general no resulta arbitraria ni impuesta  ni, tampoco, desapegada ni distante, sino que se constituye en el elemento expresivo central  que es lo que potencia la fuerza poética del film.

Bibliografía:

Alabarces, Pablo y Rodríguez, María (Comps.) (2008) Resistencias y mediaciones. Estudios sobre cultura popular, Buenos Aires, Paidós.

Archetti, Eduardo (2003), “O “gaucho”, o tango. Primitivismo e podder na formaçao da identidade nacional argentina”, en Revista Mana 9 (1) :9-29

Berardi, Mario (2006) La vida imaginada. Vida cotidiana y cine argentino 1933-1970, Buenos Aires, El Jilguero.

Birri, Fernando (2008) La escuela documental de Santa Fe, Rosario, Prohistoria Ediciones e Instituto de Cine y Artes Audiovisuales de Santa Fe.

Birri, Fernando (2007) Soñar con los ojos abiertos. Las treinta lecciones de Standford, Buenos Aires, Aguilar.

Calistro, Mariano (1992) “Aspectos del nuevo cine”, En Historia del Cine Argentino, Centro Editor de América Latina, Buenos Aires.

De Certeau, Michel (en colaboración con Dominique Julia y Jacques Revel) (1999) “La belleza del muerto: Nisard”, En La cultura plural. Buenos Aires, Nueva Visión.

Díaz, Silvina (2005) “La construcción de la marginalidad en el cine argentino: la generación del 60 y el cine de los 90”, En Lusnich, Ana (ed) Civilización y barbarie en el cine argentino y latinoamericano,  Buenos Aires, Biblos.

Grimson, Alejandro y Varela, Mirta (1999) “Recepción, culturas populares y política. Desplazamientos del campo de comunicación y cultura en la Argentina”, En Audiencias, cultura y poder. Estudios sobre televisión, Buenos Aires, Eudeba.

James, Daniel (1998) Resistencia e integración, Buenos Aires, Sudamericana.

Martínez, Felipe y otros (1997) “La Revolución Libertadora y el intento por eliminar al Peronismo del imaginario de los trabajadores”. En Mallimacci Fortunato y Marrone Irene (Comps.) Cine e imaginario social, Oficina de Publicaciones CBC UBA, Buenos Aires.

Nichols, Bill (1991) La representación de la realidad. Cuestiones y conceptos sobre el documental, Barcelona, Paidós,

Shohat, Ella y Stam, Robert (2002) Multiculturalismo, cine y medios de comunicación. Crítica del pensamiento eurocéntrico, Barcelona, Paidós.

Stam, Robert (2001) Teorías del cine, Buenos Aires, Paidós.

Vera, Ángela (2009) “Haciendo historia. La década del 50. De la inestabilidad política a la recuperación de la Universidad autónoma”, En El Paraninfo Nro. 58, Año 7, Julio 2009, Santa Fe, Universidad Nacional del Litoral.

Todas las imágenes son del film Los inundados (1961) de Fernando Birri.

Texto de: Arquitecta  Carolina Bravi

 FERNANDO BIRRI Y EL CINE DE LOS ´60

fernando_birri “De la cultura de su época y de su propia clase nadie escapa.” Michel De Certeau (1999)

Para el cine argentino la sanción del decreto ley N° 62 de 1957 fue un punto de inflexión que permitió el acceso de los intelectuales al ámbito de la producción cinematográfica, antes reservada a emprendimientos comerciales. En él se promovía la creación del Instituto Nacional de Cinematografía y se establecían nuevas reglamentaciones respecto de la producción, la distribución y la exhibición de films tendientes a la protección del cine nacional. Bajo el amparo de esta ley, como afirma Silvina Díaz (2005), se gestó el “nuevo cine argentino”, denominación que incluía a directores que compartían únicamente la necesidad de renovar el cine nacional y la admiración por el cine europeo (Birri, Torre Nilsson, Antín, Murúa, Kohen, Kuhn, Favio). Desde posiciones ideológicas diferentes todos ellos desarrollaron propuestas estéticas que, innovando el lenguaje cinematográfico, abordaron temas vinculados a situaciones propias del tiempo presente.

El Instituto de Cinematografía de la Universidad Nacional del Litoral fue creado en 1956. Fernando Birri fue una figura determinante en la organización y gestión del Instituto (IC-UNL) y de la Escuela Documental de Santa Fe. Compartió con la generación del ´60 la búsqueda de renovación y la orientó, en lo formal hacia el documental, bajo la influencia italiana, y en lo temático hacia la situación de los sectores mas desprotegidos (villas miseria, inundados, inquilinatos). Su formación neorrealista y su posición personal frente a la problemática del subdesarrollo definieron la orientación ideológica y estética de toda la producción del Instituto. Los fundamentos de esta propuesta, basada en una mirada crítica sobre la realidad inmediata, están expresados en el manifiesto de la Escuela Documental de Santa Fe elaborado por Birri en 1962.  En él se señala la importancia del cine documental en los países subdesarrollados como medio para contrarrestar la “imagen falsa de la sociedad y del pueblo” que dan los filmes no documentales o comerciales y como una herramienta para recuperar los “valores positivos de esa sociedad, (es decir) los valores del pueblo”.

En los años ´50 paralelamente al desarrollo de las teorías de cine europeas, como la teoría de los autores o la fenomenología del cine, en el tercer mundo la escritura sobre cine se solidificó en una teoría cohesionada conocida como el  “tercer cine”.  Proveniente del término Tercer Mundo, surgió para designar a la producción cinematográfica de naciones colonizadas (definidas a partir de la dominación económica estructural) e inspirada por inquietudes nacionalistas. Como afirma Robert Stam (2001), en Latinoamérica, el tercer cine se vio posibilitado en un primer momento por la popularidad del neorrealismo italiano y por las similitudes de las situaciones en uno y otro continente. Bajo la influencia Gramsci,  a principios de los ´50, creadores latinoamericanos como Alex Viani, Nelson Pereira dos Santos y  Fernando Birri comenzaron desde sus escritos a proponer un cine nacional y popular. En este sentido la película Los inundados  presenta ambas características, por un lado  aborda la problemática de las clases populares apelando a la identificación con los personajes y por el otro muestra una situación típica del litoral argentino desde el punto de vista del damnificado. Por ello, esta propuesta  estética puede vincularse con las corrientes nacionales que desde fines de los ´50 trataron de recuperar la memoria histórica popular para reconstruir, a partir de ella, una identidad cultural propia.

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CINE ARGENTINO SANTAFESINO 1. “TIRE DIÈ” DE FERNANDO BIRRI, PADRE DEL NUEVO CINE LATINOAMERICANO

fernando_birriDentro del programa de cine argentino santafesino que vamos a ir incorporando en las próximas semanas, presentamos ahora est película del famoso realizador Fernando Birri, considerado como uno de los padres del Nuevo Cine Latinoamericano.

“TIRE DIÉ”

tire dié F.BirriFicha técnica :
Dirección: Fernando Birri y los alumnos del Instituto de Cinematografí­a de la Universidad Nacional del Litoral-Escuela Documental de Santa Fe.
Producción: Instituto de Cinematografí­a de la Universidad Nacional del Litoral.
Edición: Antonio Ripio
Sonido: Leopoldo Orzali
Locutor: Alfredo Carrió
Intérpretes: Vecinos del Barrio Tire Die
Premios: Gran Premio Especial del Jurado del IV Festival Internacional de Cine Documental y Experimental del SODRE, Montevideo, Uruguay.
Duración: 32 minutos-Año 1958- Versión española sin subtítulos

“Tire Dié”

La primera pelí­cula del director, considerado uno de los padres del Nuevo Cine Latinoamericano, fue filmada en 1958 con una duración de32 minutos.

El documental denuncia las condiciones de vida de un barrio marginal en la ciudad de Santa Fe, ubicado en la zona oeste, al borde del Rí­o Salado. Allí­ los niños -y también algunos grandes- arriesgan sus vidas acercándose demasiado al tren que corre por las ví­as al grito de “tire dié” (tire diez, centavos) y extendiendo las manos para atrapar las monedas.

En el film no existen actores profesionales sino que sus protagonistas son los propios habitantes del barrio, quienes relatan sus problemas, costumbres… Con un trabajo ininterrumpido de dos años, los grupos de filmación se instalaban en el barrio desde las 9 de mañana hasta que la oscuridad les impedí­a continuar la grabación.

Varios fueron los obstáculos que tuvieron que sortear durante el rodaje, como cuando las crecientes del Salado impedí­an llegar hasta los ranchos de los bañados con las pesadas baterí­as para alimentar el grabador y ahí­ los vecinos ofrecí­an sus carros para ayudarlos.

Se redactaron muchí­simos guiones hasta concretar el definitivo, en el cual por los problemas de ininteligibilidad sonora en las encuestas, las voces fueron grabadas por Francisco Petrone y Marí­a Rosa Gallo. Actores profesionales de la Argentina.

A la presentación del documental en el Paraninfo, el 27 de septiembre de 1958, concurrieron los vecinos del barrio del Tire Dié, y el por entonces director de Cultura del Ministerios de Relaciones Exteriores, Ernesto Sábato, además de autoridades provinciales y municipales. Hubo que repetir el film inmediatamente a las 11 de noche y quedó gente afuera esperando por una tercera proyección.

Fernando Birri describí­a esto como ” un fenómeno que no estaba sólo en la cantidad de gente, sino en los distintos sectores de la ciudad de los cuales esa gente provení­a y cuyas expectativas, opiniones, curiosidades, intereses representaba. Muchos de estos espectadores era la primera vez que entraban en la Universidad”

Fernando Birri

fernando_birri 2Nace en Santa Fe, Argentina el 13 de marzo de 1925. Director de cine y teórico. Antes de vincularse al cine, incursiona en el campo del teatro y la poesí­a. De 1950 a 1953 cursa estudios en el Centro Sperimentale di Cinematografia en Roma, Italia.

En 1956 funda y dirige el Instituto de Cinematografí­a de la Universidad Nacional del Litoral. Así­ surge la Escuela Documental de Santa Fe y una manera diferente de testimoniar la realidad del paí­s. Allí­ realiza una de las obras más destacadas del cine argentino y latinoamericano de todos los tiempos, Tire Die, un documental que denuncia las condiciones de vida de un barrio marginal en la ciudad de Santa Fe. También comienza a publicar sus manifiestos sobre cine, reconocidos como fundacionales del Nuevo Cine Latinoamericano.

En 1982, funda el Laboratorio de Poéticas Cinematográficas del Departamento de Cine de la Universidad de Los Andes, en Venezuela. En 1984 lo eligen Miembro de Honor del Comité de Cineastas de América Latina. Fue fundador de la Fundación del Nuevo Cine Latinoamericano y Miembro de su Consejo Superior, además de fundador y director de la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños en La Habana (1986-1991).

Entre sus filmes se destacan, además de Tire dié y Los inundados, la ficción experimental Org, Mi hijo el Che, Un señor muy viejo con unas alas enormes, sobre un cuento de Garcí­a Márquez y de guión compartido con el colombiano,  El siglo del viento, un documental basado en un libro de Eduardo Galeano.

Filmografía Completa

Director
Fausto Criollo, El (2011)
Elegia Fruiliana (2007)
ZA 05. Lo viejo y lo nuevo (2006)
Che: muerte de la utopia? (1999)
Siglo del viento, El (1999)
Enredando sombras (1998)
Un Señor muy viejo con unas alas enormes (1988)
Mi hijo el Che – Un retrato de familia de don Ernesto Guevara (1985)
Rte.: Nicaragua (Carta al mundo) (1984)
Rafael Alberti, un retrato del poeta (1983)
Org (1978)
Gaitán a casa (1964)
Pampa gringa, La (1963)
Che, Buenos Aires (1962)
Inundados, Los (1961)
Tire dié (1958-1960)
Buenos días, Buenos Aires (1959)
La Primera fundación de Buenos Aires (1959)

Guionista
ZA 05. Lo viejo y lo nuevo (2006)
Los inundados (1962)
Tire dié (1958-1960)

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NEW ZEALAND SHORTFILMS PROGRAM. AVALAIBLE FOR ALL CINECLUBS!!

New Zealand Federation of Film Societies present a NZ Short Films. Curated for use by the International Federation of Film Societies and CINESUD. Usage restricted to non-profit screenings at film societies.

waititi_intextTama Tu (17:01, Waititi, 2004)

Without dialogues

Six Māori Battalion soldiers camped in Italian ruins wait for night to fall. In the silence the bros-in-arms distract themselves with jokes. A tohu (sign) brings them back to reality and they gather to say a karakia before returning to the fray. Director Taika Waititi: “they are a bunch of young men […] who have a special bond, strengthened by their character, their culture and each other.” Shot in the rubble of the old Wellington Hospital Tama Tūwon international acclaim: honourable mention at Sundance and a special jury prize at Berlin. You can see the movie here.

TurangawaewaeFlyerTurangawaewae / A Place to Stand (12:58, Burger, 2003) 

English version

Actor Wi Kuki Kaa (1938 – 2006) plays Tiare, a Vietnam War veteran who is dislocated by his war experience and homelessness. He wanders city streets collecting ephemera in plastic bags. Nancy Brunning plays his daughter, who, with her own daughter, visits their reluctant Koro (old man) to convince him to visit his ancestral home. A moving story about a man jolted to find his turangawaewae (place to stand), and the whanau that helps him get there. The film was directed by Peter Burger and selected for Critics’ Week at Cannes (2003). You can see the film here.

Taua_kfn2010Taua – War Party (14:23, Kahi, 2007)

Without dialogues

A party of returning raiders hauls a massive waka taua (war canoe) through dense Waitakere bush, driven by their brutally insistent chief towards safety. Two water-boys are crouched in the bow. One of them risks a bold act of compassion towards the trophy prisoner tied to the stern. The impressively-produced portage has echoes of Herzog’s Fitzcarraldo, but the story is palpably Māori. Directed by Tearepa Kahi, Taua won Best Short at National Geographic’s 2007 All Roads festival, and was selected for Berlin, Edinburgh, Rotterdam and Clermont-Ferrand fests. You can see the film here

RUN key image2Run (14:35, Sutherland, 2007)

English version

Run tells the tale of a Samoan brother and sister pushed by their over-protective father into pounding the pavement and music lessons. The siblings conspire together to overcome their father’s wrath and show him that he may be their biggest obstacle. Run won best short and screenplay at the 2007 NZ Screen Awards and was Palme d’Or runner-up at Cannes. You can see the movie here.

TwoCars_Best_of_01Two Cars, One Night (11:16, Waititi, 2003)

English version

Youngsters Romeo, Ed, and Polly wait in two cars after dark while their parents are inside drinking. It’s a situation many Kiwis would recognise: cars in loco parentis outside the bar or rugby club. Soon cross-car rivalry warms to budding friendship. Winning performances, and the tender mix of comedy and romance saw the tale of a Te Kaha pub carpark become an international hit. Two Cars won a boot-full of awards, launched Waititi’s career, and was the second NZ short to gain an Oscar nod (Waititi infamously feigned sleep during the 2005 Academy Awards ceremony). You can see the film here

If you want to scree these short films contact us: julio54321@gmail.com & gaborodal@gmail.com

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“ABUELOS”. UNO DE LOS DOCUMENTALES MÁS PREMIADOS DEL CINE ECUATORIANO

ABUELOS, una película de Carla Valencia Dàvila ahora disponible para cineclubs de todo el mundo gracias a CINESUD!! Avalaible for film societies around the world!! Pour tous les ciné-clubs du monde!!

AFICHEGénero: DOCUMENTAL (COLOR)
Países: ECUADOR, CHILE
Duración: 93 min
Formato Original: Video digital HDV
Idioma: español. Subtitles: English, Portuguese and French
Año: 2010

Guión y Dirección  CARLA VALENCIA DÁVILA
Producción General ALFREDO MORA MANZANO
Producción Ejecutiva CARLA VALENCIA DÁVILA
Fotografía DANIEL ANDRADE, DIEGO FALCONÍ
Sonido Directo Ecuador FRANZ CÓRDOVA
Sonido Directo Chile  MARIO PUERTO
Montaje CARLA VALENCIA DÁVILA, DANIELLE FILLIOS
Música Original CAMILO SALINAS
Diseño de sonido y mezcla ROBERTO ESPINOZA
Diseño e Ilustración ALBERTO MONTT

 7Un viaje personal en busca de dos abuelos. Remo, médico autodidacta ecuatoriano que quiere descubrir la inmortalidad. Juan, militante comunista asesinado en la dictadura militar Chilena de 1973. Una nieta que crece entre el exilio y un universo mágico. Dos historias, una cercana y otra enterrada. Dos sueños que se reflejan en dos paisajes, uno de montañas frondosas, el otro árido y desolado.

A personal journey in search of two grandparents. Remo, Ecuadorian doctor who wants to discover immortality. Juan, communist militant killed in the Chilean military dictatorship of 1973. A granddaughter grows between exile and a magical universe. Two stories, one close and one buried. Two dreams are reflected in two landscapes, one of lush mountains, the other arid and desolate.

Un voyage personnel à la recherche de deux grands-parents. Remo, médécin autodidacte équatorien qui veut découvrir l’immortalité. Juan, militant communiste tué dans la dictature militaire chilienne de 1973. Une petite fille grandit entre l’exil et un univers magique. Deux histoires, l’une proche et un enterré. Deux rêves sont reflétés dans deux paysages, l’un des montagnes luxuriantes, l’autre aride et désolée.

Premios y festivales

GANADOR Mejor Pitch Taller Haciendo Otro Cine organizado por Cinememoria y el European Documentary Network (Ecuador 2006)
GANADOR Selección ecuatoriana para Morelia Doc Lab (México 2006)
GANADOR DocSantiago Taller de presentación de  de Proyectos,
Mejor Proyecto Documental (Chile 2008).
GANADOR Premio Nacional de Cine Augusto San Miguel, mejor proyecto documental (Ecuador 2008)
GANADOR premio EICTV DocBsAs Forum de producción documental (Argentina 2008)
SELECCIONADO para financiamiento por el CONSEJO NACIONAL DE LAS ARTES  (ChilDir_Carla_Colore 2008)
GANADOR Premio del público Festival EDOC (Ecuador 2010)
SELECCIÓN OFICIAL IDFA 2010 FIRST APPEARANCE COMPETITION

Carla Valencia Dávila

Nacida en Ecuador, fue montajista en los largos documentales Tu sangre (2005), Alfaro vive carajo! y Cuba, el valor de una utopía (ambos de 2007) y diseñadora de producción en las ficciones Estas no son penas (2006) y Sin otoño y sin primavera (2011). Dirigió los cortos Restos (2004) y Emilia (2006). Abuelos es su primer largometraje.

 http://www.abueloslapelicula.com

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(COLOMBIA) MUESTRACINESUD COLOMBIA. DOS PROGRAMAS: SELECCIÓN DE CORTOS Y DOS DOCUMENTALES SOBRE MIGRACIÓN

logo cinesud colombiaCinesud Colombia pone a disposición de cineclubs y asociaciones sin ánimo de lucro dedicadas a la formación de públicos, dos programas con producciones recientes.

En el primer programa encontrarán una selección de cortometrajes, ejemplo de la producción audiovisual colombiana.

El segundo programa profundiza en los temas migratorios entre Colombia y España.

 SELECCIÓN DE CORTOMETRAJES COLOMBIANOS

Una selección diversa de la reciente producción de cortometrajes en Colombia.

Desamores dos amores

desamores

Dirección: Lina Lopera y Esteban Correa

Género: Documental

Año: 2010
Idioma: Español
Duración: 9:57 min

Sinopsis: Hace más de 25 años María y José permitieron que la música transformara sus vidas, que se adueñara de sus corazones y fuera la lengua para hablar de amores, miedos, odios y desengaños. Hallaron una razón para estar juntos y permanecer firmes día tras día en la indiferencia de la calle, allí, en el más grande de los escenarios, donde la música es su aire, su aliento. Hoy permanecen juntos y por solo un par de monedas, alimentan la nostalgia y el amor de quienes recuerdan, silban y tararean una vieja canción.

La Reina

la reina

Dirección: Andrés Guevara

Género: Comedia/Drama

Año: 2011
Idioma: Español
Duración: 15 min

Sinopsis: Steven, un niño en silla de ruedas, desea salir de su casa para llegar al parque, donde hay unos supuestos tennis mágicos que al usarse permiten que la gente pueda caminar. Tito, un reciclador del barrio, junto a su hijo Juancho, ayudan a Steven a llegar al parque y éste en recompensa, le obsequia a Tito un regalo, que es utilizado por él para conmemorar el cumpleaños de su esposa.

Grafito

grafitoRealización: Leonardo Villamizar, Bianca Bauer, Nelson Restrepo

Género: Documental

Año: 2009
Idioma: Español
Duración: 15 min

Sinopsis: Este documental sobre las tribus urbanas del graffiti en Bogotá, fue ganador del Premio Ciudad imaginada del Instituto Distrital de Patrimonio Cultural de Bogotá en 2008.

Zio Bain

Realización: Edison Chavarro – Kolinos producciones

Género: Documental

Año: 2009
Idioma: Español
Duración: 15 min

Los Zio Bain, reconocidos hoy día como el pueblo Siona, han librado diferentes luchas a lo largo de su historia, desde las más violentas en sus orígenes por territorio, hasta las políticas que libran hoy día por rescatar su tradición. En busca del reconocimiento de su identidad, Juan y Joisi, dos niños del poblado de Santa Helena, emprenden un recorrido por los tres poblados que comprenden el territorio Siona de Puerto Asis, en la selva del Putumayo, tras la huella de un mítico personaje llamado Yai Bain, recorrido que les enseñará a valorar y apropiarse de su legado ancestral

Magnolia

3.1 Afiche_MAGNOLIA

Dirección: Diana Carolina Montenegro García

Género: Ficción

Año: 2011

Idioma: Español

Duración: 15 minutos

Rafael, un hombre solitario de 80 años, lleva mucho tiempo sin salir de la oscuridad de su casa. Cada día, él escribe nombres de mujer en pedacitos de papel y los pega en su ventana tratando de llamar la atención de una anciana recicladora que pasa todos los días frente a su casa.

Un día, el nombre ‘Magnolia’ hace que la mujer entre a la casa y con ella, la luz que Rafael dejó de ver hace mucho tiempo.

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DOCUMENTALES SOBRE MIGRACIÓN

Dos experiencias radicalmente distintas de los procesos migratorios entre España y Colombia.

Habitantes de Babel

babel

Dirección: Alejandro Ángel

Género: Documental

Año: 2012

Idiomas: Español, Inglés, Catalán, Italiano

Duración: 33 min

2008. Barcelona (España), 3 historias, 3 procesos, 3 colombianos; Erika, Oscar y Giselle, cada uno con una historia por contar de su proceso de inmigrante en la gran Babel, en la gran Barcelona…  Tres años después su proceso migratorio continúa. Los 3 personajes nos cuentan que se siente, se vive y se recuerda de ser inmigrante y cómo sus vidas han seguido moviéndose…Una mirada a los ires y venires de ese proceso llamado inmigración.

Celda Extranjera

celda extranjera

Dirección: Luisa Fernanda Vallejo Herrera

Género: Ficción

Año: 2012

Idioma: Español

Duración: 30 min

Estar en un país extranjero trae consigo buenas y malas experiencias , la de Elisa Cibera Martínez, una española a quien llegar a Colombia le marcó y partió la vida en dos, ya que lo que comenzó como un viaje de negocios es hoy una lucha diaria por sobrevivir tras las rejas de la cárcel el Buen pastor en Bogotá.

Contacto para programar estas sesiones

Marcela Aguilar Pardo

marcela.aguilarp@gmail.com

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(PALESTINA) JERUSALEM: THE VOICES OF THE OCCUPATION. AVALAIBLE FOR ALL FILM SOCIETIES AROUND THE WORLD

Jerusalem: the voices of the occupation

JERUSALEM, LES VEUS DE L'OCUPACIODir: Gerard Baró

2012 – Catalunya – Palestina

40min. Languages: arabian and spanish. Subtitles: catalan, spanish & english

In August 2010, a group of volunteer brigades we took a trip to Palestine, under the umbrella of the Catalan Association for Peace (ACP) with a very specific goal: to understand the reality of Palestinians currently residing in the East Jerusalem and record it all to denounce the policy of exclusion and ethnic cleansing perpetrated by the state of Israel.

Center of cult for Muslims, Jews and Christians, the holy city of Jerusalem has become one of the key points in the demographic struggle between Palestinians and Israelis for control of territory. Since the proclamation of independence of the state of Israel in 1948 – the Nakba, or disaster for the Palestinians – and the subsequent armed conflict, the city remains divided into two completely distinct.

By occupation and demolition of houses, confiscation of homes, deportation, attacks on police, the army and settlers, the state of Israel has developed a planned policy of exclusion of Arab citizens of Jerusalem that triggered constant violations of human rights.

The short documentary that you will find below is just a small sample of interviews and testimonials that we collected during our stay there. The common denominator of all these is the desire to give voice to the true protagonists of such attacks daily, away from any area of unspoken power, neighbors, neighbors, children, associations and organizations in an attempt to recover the silenced voices of employment.

in spanish —>

 Jerusalén: las voces de la ocupación

JERUSALEM, LES VEUS DE L'OCUPACIORealización: Gerard Baró

2012 – Catalunya – Palestina

40min. Lenguas: árabe y español. Subtítulos: catalan, castellano e inglés

En agosto de 2010, un grupo de brigadistas voluntarios emprendimos un viaje hasta Palestina, bajo el paraguas de la Asociació Catalana per la Pau (ACP), con un objetivo muy concreto: conocer la realidad de los palestinos que residen actualmente en la ciudad de Jerusalén Este y registrar todo para poder denunciar la política de exclusión y limpieza étnica perpetrada por el estado de Israel.

Centro de culto para musulmanes, judíos y cristianos, la ciudad santa de Jerusalén se ha convertido en uno de los puntos neurálgicos en la pugna demográfica entre palestinos e israelíes por el control del territorio. Desde la proclamación de independencia del estado de Israel en 1948 – la Naqba o desastre para los palestinos – y el posterior conflicto armado, la ciudad permanece dividida en dos partes completamente diferenciadas.

Mediante el empleo y demolición de casas, la confiscación de viviendas, la deportación, las agresiones de la policía, el ejército y los colonos; el estado de Israel ha desarrollado una política planificada de exclusión de los ciudadanos árabes de Jerusalén que ha desencadenado constantes vulneraciones de los derechos humanos.

El breve documental que podrá encontrar a continuación es sólo una pequeña muestra de los testigos y entrevistas que pudimos recoger durante nuestra estancia allí. El común denominador de todas ellas es la voluntad de poder dar voz a los verdaderos protagonistas cotidianos de estas agresiones, lejos de cualquier esfera tácita de poder: vecinos, vecinas, niños, asociaciones y entidades, en un intento por recuperar las voces silenciadas de la ocupación

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(CATALUÑA) CINESUD NOS TRAE LOS MEJORES CORTOS DEL CINE CATALÁN. PREMIS GAUDÍ

Cinesud, la Acadèmia del cinema català y los Premis Gaudí os ofrecen la posibilidad de ver los mejores cortos del cine catalán (ganador y tres finalistas) de la última edición de los premios Gaudí. Entre ellos realizadores tan importantes como Roser Aguilar (“Lo mejor de mi”) o Ventura Durall (“La doble vida de Andrés Rabadán”).

Premi GAUDÍ al Mejor cortometraje 2011:

Ganador:

AHORA NO PUEDO, de Roser Aguilar, escrito por Elena Serra i Corberó, producido por Oriol Sala-Patau (Ahora puedo producciones)

Premios:

Alcine – Alcalá de Henares International Film Festival 2011 – Mejor actriz principal; MECAL 201; Semana de Cine de Medina del Campo 2012; Premios Gaudí 2012 – Mejor cortometraje; FEC Festival (Cambrils) 2012 – Mejor cortometraje; Curt Ficcions 2012; CURTOCIRCUITO-Festival Int. de curtametraxes de Santiago de Compostela 201; Festival LA FILA de cortometrajes 2012

Finalistas:

EL BARCO PIRATA, de Fernando Trullols, escrito por Fernando Trullols y Pepe Combalía, producido por Bastian Films.

Premis GOYA 2012

Millor Curt de Ficció

Premis GAUDÍ 2012

Nominat com a Millor Curt

Premi Villa de Coslada

III PREMI AL MILLOR PROJECTE DE CURTMETRATGES

Premi del Jurat Jove

XXIV SEMANA DEL CINE DE MEDINA DEL CAMPO

Premi a la Millor Actriu: Petra Martínez

VIII FESTIVAL DE CINE DE ALICANTE

Premi al Millor Director: Fernando Trullols

III YOUNG VALUES SHORT FILM FESTIVAL DE BARCELONA

Menció Especial a la Millor Banda Sonora: Arnau Bataller

III YOUNG VALUES SHORT FILM FESTIVAL DE BARCELONA

Nominació al Millor Actor: Alberto San Juan

IV ISLANTILLA CINEFORUM – FESTIVAL INTERNACIONAL “BAJO LA LUNA”

Nominació a la Millor Direcció Artística: Mariona Julbe

IV ISLANTILLA CINEFORUM – FESTIVAL INTERNACIONAL “BAJO LA LUNA”

Segon Premi

VIII FESTIVAL INTL. DE CINE SOCIAL DE CASTILLA LA MANCHA

Premi al Millor Actor: Alberto San Juan

VIII FESTIVAL INTL. DE CINE SOCIAL DE CASTILLA LA MANCHA

Premi a la Millor Interpretació Infantil: Dylan Figueroa

VIII FESTIVAL INTL. DE CINE SOCIAL DE CASTILLA LA MANCHA

Premi a la Millor Actriu: Petra Martínez

III FESTIVAL DE PILAS EN CORTO, SEVILLA

Premi del Públic

I FESTIVAL INTERNACIONAL DE CORTOS DE ALCOBENDAS, MADRID

Premi al Millor Actor: Alberto San Juan

XXXVII BADALONA FILM FESTIVAL “FILMETS”, BARCELONA

Primer Premi al Millor Curt

IX FESTIVAL  INTERNACIONAL DE CORTOS DE LA UNIVERSIDAD LA LAGUNA

Premi al millor curt català

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CURTMETRATGES MAS SORRER

LA SONRISA ESCONDIDA, de Ventura Durall, escrito por Ventura Durall y Miguel Llanso, producido por Nanouk Films, SL.

Premios:

Cinema Jove International Film Festival 2011 – Mejor director; CURTOCIRCUITO-Festival Int. de curtametraxes de Santiago de Compostela; 2011 – Best International Documentary; Euganea Film Festival (Italy) 2011; Best International Short Film; Young Values Film Festival 2011 – Mejor documental; Wimbledon Shorts 2011 – WFC Best Film; Shnit Int’l Shortfilmfestival Berne – Cologne 2011 -; Best long Short Film; Miradas.Doc International Documentary Film Festival 2011 – Mención especial; Semana de Cine de Medina del Campo 2011 – 2º premio; Madridimagen (Spain) 2011 – Mejor cortometraje; Madridimagen (Spain) 2011 – Mejor fotografía; CURT.DOC festival Int’l de Corto Documental de Vidreres (Spain) 2011 – Audience Award.

ODYSSEUS’ GAMBIT, escrit i dirigit per Àlex Lora, produït per AI i Inicia Films.

Premios:

Golden Dragon for the Best Short at 52nd Krakow Film Festival -Oscars Qualifying- (Poland); Nominated for the Best Short by the IV Gaudi Catalan Academy Awards. (Spain); Vimeo Awards Finalist Nominee (USA); Best Short Documentary at Metropolitan Film Festival of New York (USA); Best Documentary at Tacoma Film Festival (USA); Best Documentary at Signes de Nuit Film Festival (France); Best Documentary at Madrid-PNR Film Festival (Spain); Best Documentary at Sardinia Film Festival (Italy); Best Documentary at Fibabc Film Festival (Spain); Best Documentary at Soria International Film Festival (Spain); Best Cut at Medina del Campo Film Festival (Spain); Metropolis Award at VAD Girona (Spain) ; Special Jury Mention at Intermon-Oxfam Actua International Film Festival (Spain / Latin America); Best Movie at Festi.Dok 2011 in Girona (Spain); Best Documentary at SediciCorto International Film Festival of Forli (Italy); Best Documentary short by the Dieciminuti International Film Festival (Italy); Best Documentary at the u.frame International Film Festival of Porto (Portugal); Best Documentary at Berriozar Ficbe Film Festival (Spain); Best Documentary at Visual Sound Barcelona Film Festival (Spain); Award RTP2 Onda Curta at Tous Courts at Aix-en-Provence (France); Award of Merit at Accolade Film Festival (USA); Nominated as the second best documentary at Baumann Terrassa Film Festival (Spain); Nominated for the Best documentary at Parnu Film Festival (Estonia).

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(ESPAÑA)EL MASTER DE DOCUMENTAL CREATIVO DE LA UAB PONE A DISPOSICIÓN DE CINESUD TRES DE SUS DOCUMENTALES

ImagenEl Máster de documental creativo de la UAB nació intuyendo las nuevas necesidades del documental en un momento en que apenas si se atisbaba el alcance de las transformaciones por venir, cuando el nuevo documental empezaba a ser realidad aunque con perfiles inciertos. Era un tiempo en que la imagen digital despertaba más temores que esperanzas. Desde entonces, catorce años atrás, el horizonte se ha despejado y el cine documental se ha enriquecido con una gran variedad de facetas que responden a la propia complejidad social que lo acoge. El Máster de documental ha emprendido, durante todos estos años, un constante proceso de transformación con el fin de progresar al mismo ritmo al que avanza el entorno en el que está ubicado. De ahí la importancia que tiene nuestra apuesta por una reflexión teórica profunda que alimente la vertiente práctica del curso. Queremos que nuestros alumnos, además de aprender la técnica del documental en todas sus facetas, sean capaces de reflexionar sobre su alcance y características. Estamos convencidos de que sólo así se desarrolla la imaginación necesaria para entender la realidad y para expresarla creativamente. La imaginación es el territorio en el que situamos nuestros proyectos pero queremos que sea una imaginación informada y responsable.

El Master de documental creativo de la Universidad Autónoma de Barcelona propone 3 documentales:

Palabras ArmadasAunque no sea ciertoIn memoriam

 (Siguiendo los enlaces llegais a los Pressboock)

PALABRAS ARMADAS
Imagen

Fitxa Tècnica

Título/Title: Palabras Armadas

País/Country: España

Año/Year: 2011

Duración/Running time: 27 minutos

Direcció:Sayuri Matsuyama ; Guió:Camila Chambeaux ; Producció:Thomás Selistre, Carolina Barboza; Direcció de fotografi:Carolina Barboza; So directe: Maria Fernanda Vomero; Muntatge: Estuardo Novoa; Música:Rodrigo Bezerra

Sinopsis

¿Qué hace que un hombre, un ex comandante guerrillero, decida tomar las armas para luchar por sus ideales y años después encuentre en el diálogo y la literatura la solución a sus antiguas inquietudes?

“Palabras Armadas” narra la trayectoria de Yesid Arteta, ideólogo de las Fuerzas Armadas Revolucionarias de Colombia, las FARC en la década de 90 y actual gestor de paz en aquel país. Una historia de luchas, sacrificios y persecuciones. La vida de un hombre que para muchos podría ser considerado un delincuente, aunque todo lo que haya buscado hasta entonces fuera algo tan humano como la justicia social. Un relato clave para entender la historia contemporánea de Colombia.

Biografía Sayuri Matsuyama

Liliana Sayuri Matsuyama Hoyos es graduada en antropología en Colombia, donde ha trabajado en diversas comunidades rurales y grupos indígenas. Se ha interesado en proponer un acceso más democrático a la cultura visual a través de la producción participativa de audiovisuales y la difusión del cine en sectores de la población que tradicionalmente han sido marginados del acceso cultural. Su trabajo como documentalista ha partido de esta experiencia, por la cual piensa que las personas que están al otro lado del lente, tienen tanto como el documentalista, la opción de imaginarse cómo verse retratados en imágenes en movimiento. Con estos antecedentes, pero desde Barcelona, en una ciudad con otras realidades sociales, se involucra en “Palabras Armadas”, el primer documental que dirige.

Motivación

“Al conocer ex-combatientes colombianos exiliados en Barcelona como investigadores del conflicto, reconocí el valor de escuchar sus relatos porque éstos solamente se podrían recoger desde la distancia y la relativa libertad del exilio. En este sentido valoré también las iniciativas propias de Catalunya que apuntan a crear centros de pensamiento de proyección mundial, como la Escola de Cultura de Pau, en donde Yesid Arteta trabaja hoy como gestor de Paz. Pienso que el relato de un ex combatiente como Yesid Arteta hace parte de la memoria histórica que requiere ser escuchada desde múltiples miradas y que cobra un valor particular al ser relatada desde la distancia, en tiempo y espacio”.

 AUNQUE NO SEA CIERTO

Título/Title: Aunque no sea cierto (Although it isn´t true)

País/Country: Catalunya

Año/Year: 2011

Duración/Running Time: 30 min

Idioma/Language: Castellano/Spanish

Dirección/Direction: Tate Arnau Vinyals

Asistencia de Dir./Assist. Dir: Daniela Linares / Francisca Se-púlveda

Producción/Production: Francisca Sepúlveda / Nicolás María

Dir. Fotografía/Dir.Photography: Daniela Linares

Guión/Script: Tate Arnau Vinyals / Sebastián Lazo

Montaje/Editing: Natalia Solórzano

Sonido/Sound: Sebastián Lazo

Música/Music: Eulogio Dávalos

 Hace unos años creé un blog para superar mi pánico a ser leída. Fue en este blog donde hablé de la botella que abandoné en el mar de Isla Negra, ante la casa de Neruda, esperando que alguien cambiara el mensaje que puse dentro por un puñado de flores rojas. Meses después, como si la botella hubiera llegado a puerto, encontré ilustrada la secuencia del texto en cuatro viñetas por Fernando Krahn en el Magazine de “La Vanguardia”. Entonces desconocía quién era Fernando. Al ver que era chileno, lo llamé para contarle mi alegría por el casual encuentro. Entonces él, que vivía en Sitges, me invitó a su casa. Y fue allí donde me habló de María de la Luz Uribe, su mujer, fallecida en 1994.

María de la Luz había sido secretaria de Neruda en Isla Negra y allí tradujo con él Romeo y Julieta. Después de su muerte, encontraron carpetas y diarios llenos de poemas suyos desde que tenía 14 años hasta poco antes de morir. Ella era conocida por sus libros infantiles (ilustrados por Fernando) y sus ensayos de Pavese i la Comedia del Arte. Pero siempre mantuvo en secreto sus poesías. Fernando, que murió el año pasado, me las mostró emocionado y desconcertado. Emocionado por el hallazgo y desconcertado por descubrir en ellas a otra mujer.

Aunque no sea cierto nace de este encuentro.

Tate Arnau Vinyals

BIOGRAFÍA Tate Arnau i Vinyals

Nací en Solsona el 1985. Estudié Filosofía en la Universitat de Girona y la Universidad de Buenos Aires. Fui becaria del departamento de Filología y Filosofía de la Universitat de Girona con el proyecto “La biblioteca perdida de Mercè Rodoreda”. He trabajado de profesora de piano, lenguaje musical y catalán. Participé en el Festival KOUPA de Eslovenia, en la Projecta de Casablanca y en la fundación de Assofia, Associació  d’estudiants de Filosofia, y de Ad’Art, plataforma per a la difusió i la promoció culturals, de Girona. Aunque no sea cierto es mi primera película, producida por el Máster de Documental Creativo de la Universitat Autònoma de Barcelona y Televisió de Catalunya.


IN MEMORIAM

Ficha técnica

Título/Title: In Memori@m

País/Country: España

Año/Year: 2011

Duración/Running time: 27 min.

Dirección/Direction: Manuela Antonucci; Guión/Script: Manuela Antonucci; Asistente de dirección/Assistant of direction: Carol Vilela, Naobi Cáceres; Producción/Production: Cristina Paniello, Ainhoa Garikano; Fotografía/Photography: Carol Vilela, Manuela Antonucci, Naobi Cáceres; Operador de cámara/Cameraman: Carol Vilela; Sonido/Sound: Marco Marasca; Montaje/Editing: Naobi Cáceres; Música original/ Original music: vilnius.hang; Traducción/Translation: Andrea Martínez, Manuela Antonucci, Cristina Paniello; Diseño gráfico/Graphic Design: Rakel Judez

Storyline

Una tragedia, personal y colectiva, lleva a la directora a descubrir en la Web una memoria nueva. Porque en el mundo del 2.0, se puede recordar a quien ya no está con un sólo click.

Sinopsis

Los familiares de las víctimas de un terremoto, un padre de luto por la pérdida de un hijo, y miles de usuarios esparcidos por el mundo que recuerdan a sus seres queridos ausentes. Todas estas personas comparten un destino común y son protagonistas de una historia que habla de una memoria especial, que viaja y se alimenta a “ritmo de bit”. Porque en el mundo del 2.0, se puede recordar a quien ya no está con un sólo click.

Manuela Antonucci

Biografía

Licenciada en “Editorial y Escritura” en la Facultad de Letras (especialización en Periodismo) de La Sapienza, Roma. Ha trabajado como periodista en revistas en línea, como responsable de oficina de prensa para el sector editorial, la organización de festivales e instituciones culturales.

Su pasión por el cine documental comienza en la universidad, donde produce dos cortometrajes como proyecto final de la tesis: Dura Praxis sed Praxis, que trata sobre los rituales de iniciación en las universidades portuguesas, y O lado certo da vida errada, un video de investigación sobre la urbanización de favelas en São Paulo.

Nota del director

La muerte entre lo real y lo virtual

Cuando se decide hablar de un tema como la muerte es necesario hacerlo, aceptando el peso de las consecuencias que esta elección implica. La primera, entre todas, la reacción de las personas que te rodean. Se parte del total rechazo del tema pasando por un interés disimulado, hasta llegar a una tímida curiosidad mezclada con temor. La muerte se puede aceptar, combatir, rechazar, pero la única cosa cierta, que aúna a toda la especie humana, es que forma parte de la vida. Y también, la que, hoy día, se desarrolla paralelamente en internet. El “e-luto”, así como me gusta definirlo, se presenta como el curioso fenómeno de un mundo en el que estamos acostumbrados a reconocernos y a ser reconocidos como avatares/identidades que habitan los “no-lugares” de Internet. ¿Pero qué pasa cuando se habla de sentimientos relacionados a un tabú como el de la muerte? El ser humano aplica los mismos estándares a los cuales ya está acostumbrado como usuario y busca nuevas fórmulas de expresión, entre el espacio real y el virtual, con las cuales superar el dolor de la pérdida. ¿Será que internet se está convirtiendo en la nueva red de seguridad, sustituyendo lo que en el pasado era remitido a la Comunidad?.

El encuentro con Natxo: lo que hay detrás de la pantalla

El encuentro con Natxo no es una simple casualidad: yo estaba buscando su historia, la historia de una persona que había decidido encomendarse a un blog para hablar del luto a través de la memoria. Han bastado unas pocas palabras clave en catalán y Google ha hecho el resto. Así, lo que en aquella época me había parecido una búsqueda rutinaria se ha transformado en la mejor oportunidad para conocer el lado humano y más profundo de este fenómeno, a través de la experiencia y de la voz de una persona con una extraordinaria sensibilidad. Creo que el testimonio de Natxo me ha ayudado a caminar unos metros más en esta historia. Se trata de una pequeña distancia, pero es una diferencia abismal para la película, un punto de vista definitivo: el interés por la esfera privada que a menudo evitamos observar, olvidando que detrás de cada “nickname” siempre hay una persona.

Para ponerse en contacto

juliolamana@federaciocatalanacineclubs.cat

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(ESPAÑA) 6 CORTOS DE RAFA DENGRÀ: SANGRE y VISCERAS DE SOULPSYCHOKILLER PRODUCTIONS

Un nuevo programa CINESUD para los amantes del fantástico, el gore, la comedia y el despilfarro de sangre y vísceras. En la mejor línea del género, os presentamos estos trabajos de Rafael Dengrà, que al frente de Fantosfreak, hace ya años que trabaja en este género tan complicado del Fantástico. Os proponemos 6 de sus cortos más impactantes y más premiados en festivales especializados: Hearttrack, El viajero, Naturaleza muerta, Quizás el mañana nunca llegue, Brutal Relax y Máquina. Trabajos realizados entre el 2007 y el 2010. Si os apatece programarlos en vuestros cineclubs, asociaciones, festivales,… enviadnos un mail.

Rafa Dengrá, también conocido como Alexander Dreissel, es un cortometrajista autodidacta. Guionista, director, editor, director de fotografía y actor. Su productora SoulPsychoKiller es conocida en España dentro del género de terror y fantástico. Sus obras se caracterizan por una trabajada imagen oscura y siniestra y una narrativa compleja. Sus trabajos han sido seleccionados en los festivales nacionales de género más importantes. Es el director del Festival de Cortometrajes Fantásticos y/o Freaks Fantosfreak de Cerdanyola del Vallès desde el año 2000.

HEARTTRACK

Dirección: Rafa Dengrá. Actores: Raúl DelaCruz, Pablo del Barrio. Filmación: Rafa Dengrá. Edición: Rafa Dengrá. Sonido: Rafa Dengrá. Maquillaje: Evloody. Guión: Rafa Dengrá, Eva Ayats. Fotografía: Rafa Dengrá. Arte: Rafa Dengrá, Eva Ayats. Postproducción: Rafa Dengrá. Música: J. Oskura, The Monkey Japan. Formato original: HD (XD Cam) pal color. Duración: 3’ 30’’. Producción: SoulPsychoKiller (Rafa Dengrá) Fecha de producción: Julio 2009

Sinopsis: Un chico recibe una llamada de un amigo del que no esperaba volver a saber nada.

EL VIAJERO

Dirección: Rafa Dengrá. Actores: Pablo del Barrio, Eva Ayats, Rosa Dengrá, Kike Ortega, Raúl DelaCruz, Jabba. Filmación: Rafa Dengrá. Edición: Rafa Dengrá. Sonido: Rafa Dengrá. Maquillaje: Evloody. Guión: Rafa Dengrá. Fotografía: Rafa Dengrá. Arte: Rafa Dengrá, Eva Ayats. Postproducción: Rafa Dengrá. Música: J. Oskura, Jabba/The Monkey Japan, Mayka Dengrá. Formato original: HD (XD Cam) pal color. Duración: 11’. Producción: SoulPsychoKiller (Rafa Dengrá)

Sinopsis: López tiene un aburrido trabajo de administrativo en una importante empresa, pero un día en una reunión rutinaria sucede algo asombroso; le pasan un expediente de ese mes, Marzo de 2009, cuando él se había levantado para ir al trabajo en Marzo de 2010. El Viajero tiene la respuesta a este salto temporal.

NATURALEZA MUERTA

Dirección: Rafa Dengrá. Actores: Andrés Rebollo, Eva Ayats, Rafa Dengrá. Filmación: Rafa Dengrá. Edición: Rafa Dengrá. Sonido: Rafa Dengrá. Maquillaje: Evloody. Guión: Rafa Dengrá. Fotografía: Rafa Dengrá. Escenografía: Rafa Dengrá. Música: Jabba. Fecha de producción: Julio 2007. Formato de grabación: Minidv. Duración: 4’ 25’’.

Sinopsis: Nathan A. es un reputado artista. Sus obras se cotizan al alza. Su especialidad; la naturaleza muerta.

QUIZÁS EL MAÑANA NUNCA LLEGUE

Dirección: Rafa Dengrá. Actores: Eva Ayats, Andrés Rebollo, Mayka Dengrá, Rafa Dengrá, Pablo del Barrio, Pedro Alonso … Filmación: Rafa Dengrá. Edición: Rafa Dengrá. Sonido: Rafa Dengrá. Maquillaje: Evloody. Guión: Rafa Dengrá. Fotografía: Rafa Dengrá. Escenografía: Rafa Dengrá. Música: Jabba. Fecha de producción: Octubre 2007. Formato de grabación: Minidv. Duración: 13 min

Sinopsis: La malvada Doctora Quizás ha amenazado con destruir el Mundo si la ONU no le entrega el control total del Planeta. Q le encarga la complicada tarea de impedirlo al agente 009, ya que 007 lleva un año sin dar señales de vida enfrascado en la misma misión. Para infiltrarse en la Base Secreta de la Doctora Quizás, 009 tendrá que aprovechar el 24º campeonato Mundial de Hulla-Hop y transformarse en Nadia Dopadovska; la gran campeona búlgara.

BRUTAL RELAX

DIRECCIÓN: Adrián Cardona, Rafa Dengrá, David Muñoz. PRODUCCIÓN Eva Ayats, Adrián Cardona, Rafa Dengrá, David Muñoz. IDEA: José Mª Angorrilla, Eva Ayats, Adrián Cardona, Rafa Dengrá, David Muñoz. GUIÓN: David Muñoz. MÚSICA: Savvas Salpistís. BATERÍA ELECTRÓNICA: Luis Manuel Villegas. FOTOGRAFÍA Rafa Dengrá. EDICIÓN: Adrián Cardona, Rafa Dengrá, David Muñoz. FILMACIÓN: Rafa Dengrá. MAQUILLAJE: Eva Ayats, Adrián Cardona, Mª Pilar Ochando. FX GORE: Adrián Cardona, Mª Pilar Ochando. FX DIGITAL: Adrián Cardona, Rafa Dengrá.

REPARTO: Señor Olivares: José Mª Angorrilla; Psiquiatra Pep Sais; Chica Mayka Dengrà; Pareja playa crema y palas: Daniel Airabella Victoria Ventura; Jugadores frisbee: Fito Delgado y Juanlu Roig; Chicas Risas: Mª Pilar Ochando, Verónica C. Planells: Chico enterrado: Pedro Alonso . Gente Playa: Eva Ayats, Alex Berlanga, Adrián Cardona, Jos Cardona, Sonia Cardona, Catalina Colomar, Juan Cortés, Rosa Dengrá, Andrés García, Jordi García, Valentina Isabella, Laura Layoun, Ariadna Llós, Joel Llós, Salvador Llós, Patri López, Rosa López, Javier Marí, Nerea Molina, Trinidad Morato, Sonia Morcillo, Paulo Morgue, David Muñoz, Toni Noguera, Kike Ortega, Ana Belén Ortiz, David Ortiz, Vicente Pizarro, Irene Roig-Francolí, Alejandro Ruíz, Lidia Toledo, Roberto Samper, Laura Tur Ribas, Jéssica Valverde. Demonios: José Mª Angorrilla, Alex Berlanga, Adrián Cardona, Jos Cardona, Daniel Corvacho, Eli Gallego, Toni largo, Laura Layoun, Jose Juan Mago, David Ortiz, Vicente Pizarro, Juanlu Roig

SINOPSIS

El Señor Olivares ya está recuperado, lo único que necesita son unas vacaciones. Ir a un lugar paradisíaco, donde pueda relajarse y disfrutar alegremente.

MÁQUINA

Dirección: Rafa Dengrá; Actores: Mayka Dengrá, Raúl DelaCruz, Eva Ayats, Rafa Dengrá, José Angorrilla, Carlos Prieto, Pitu Álvarez, Andrés Rebollo, Pablo del Barrio. Filmación: Rafa Dengrá. Edición: Rafa Dengrá. Sonido: Rafa Dengrá. Maquillaje: Evloody. Guión: Rafa Dengrá. Fotografía: Rafa Dengrá. Arte: Rafa Dengrá, Eva Ayats. Postproducción: Rafa Dengrá. Formato original: HD (XD Cam) pal color. Duración: 22’ 30’. Producción: SoulPsychoKiller (Rafa Dengrá). Fecha de producción: Septiembre 2009

Sinopsis: Un enigmático enmascarado vigila el enfrentamiento entre el crimen organizado y Máquina, la mejor asesina a sueldo que jamás haya existido.

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1ª MUESTRA IBEROAMERICANA DE CORTOS CINESUD

Presentamos la primera muestra CINESUD de cortos iberoamericanos disponibles para cineclubs y entidades sin ánimo de lucro que quieran programarla. Dos sesiones de cortos para el público.

PRIMER PROGRAMA

Por primera vez

Octavio Cortázar, Cuba, 1967, 10 min/Documental/ Esp. Subt. Port

Un cine móvil provoca la excitación y el asombro de los campesinos alejados de las pantallas de exhibición cinematográfica de La Habana, al mirar el cine por primera vez.

Floating Chloe

Mónica Naranjo, Colombia 2004, 3 min/ Animación

Chloe es la no definición, es el estar en medio de algo, que ha dejado de ser y comienza a ser algo nuevo.

Conquistadores

Eloi Tomás, España, 2005, 9 min/ Animación sin diálogos.

Todo imperio quiere clavar la bandera para expandir su reino, pero a veces, el planeta más desierto e inofensivo se puede convertir en tu peor pesadilla.

El reciclo del biciclo

Agustín Martínez, México, 1999, 12 min, experimental

El tráfico diario alimenta el stress de la vida metropolitana. Un paseo a dos ruedas puede hacer la diferencia en la rutina de los automovilistas.

Ave Maria

Camilo Cavalcante, Brasil, 2009, 12 min

Un registro poético del imaginario popular del Sertão a las 18 horas, cuando suena en la radio el Ave María Sertaneja, interpretada por Luiz Gonzaga.

SEGUNDO PROGRAMA

Minami em Close-up

Thiago Mendonça, Brasil, 2009, 19 min/ Port. Subt. Esp

La trayectoria de la revista Close-up que en los 70 fue un suceso de ventas publicando fotos sensuales de las actrices del cine de Boca de Lixo es el punto de partida para conocer a los personajes de una época.

Qué viva el muerto

Randi Krarup, Ecuador, 2002, 8 min-/Ficción

Una familia se reúne en torno a un ataúd. El delirio y la muerte se confunden en el velorio.

La ruta natural

Álex Pastor, España, 2005, 11 min/ Ficción/ Esp. Subt. Port

David despierta tras su accidente y no es capaz de recordar nada. Tal vez su pasado le dé las respuestas que necesita.

Comprometendo a atuação

Bruno Bini, Brasil, 17 min/ Ficción/ Port. Subt. Esp.

Wallace es un futbolista con un dilema. Será convocado por un equipo de primera división, y su éxito dependerá de la preparación, concentración y abstinencia antes del partido. Pero su guapa novia Marlene, desconcentra a cualquier jugador.

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(IRAN)Kamran Shirdel Retrospective

Kamran Shirdel Biography

Language: Irani. Subtitles: English, Spanish, Portuguese.

Kamran Shirdel (born in 1939) studied architecture, urbanism, design and film direction at the Centro Sperimentale di Cinematografia (CSC) in Rome. During his Roman studies he had the opportunity to have such great figures as Roberto Rossellini, Pier Paolo Pasolini, Nanni Loy, Francesco Rosi, Gillo Pontecorvo and many others as his direct teachers. His thesis film was a short called The Mirrors. During this time he also worked as an assistant on John Huston’s The Bible, which was then shooting at the famed Cinecitta studios.

After graduating in 1965, Shirdel returned to Tehran and started directing documentaries for the Ministry of Culture and Art. Over the next three years he directed his most renowned socio-political documentaries, six films that courageously and frankly revealed the darker side of Iran’s economic boom, analyzing the effects of a society of flush with oil money. These films were steeped in a deep social consciousness reminiscent of the best of the Italian Neo-realist tradition, the cinema that had influenced him deeply during his studies in Italy. Shirdel’s furious documentaries and cinematic language were a bone of contention both under the Shah and following his exile, because they spoke up for the underprivileged and, in doing so, exposed and criticized the corruption of the mechanism of power.

Because of the severe censorship, nearly all his films were banned and confiscated, and in the end he was expelled from The Ministry and put on the blacklist. Seven years after it was made (and censored), his The Epic of the Gorgani Village Boy (The Night It Rained!), after receiving the GRAN PRIX at The Third Tehran International Film Festival (1974), was immediately banned again and remained so (like his Nedamatgah (Women’s Prison, 1965), Qaleh (Women’s Quarter, 1966), Tehran Is the Capital of Iran (1966), and others) until after the revolution. His first (and, to date, only complete) feature film, The Morning of the Fourth Day (1972), a remake of Jean-Luc Godard’s A bout de souffle, won a few awards at the Sepas National Film Festival. Three years later his second feature film The Camera, based upon Nikolai Gogol’s “General Inspector,” was censored while still shooting and thus remains unfinished.

Shirdel, forbidden from pursuing his interest in observing and analyzing his society, was forced to turn his creative and technical talent to the making of a great number of commissioned and institutional films; a fertile production of highly praised industrial and educational films.

Kamran Shirdel is considered a father figure of Iran’s NEW cinema and documentary school of filmmaking. He paved the way for a type of social and critical documentary film in Iran that refused to be misused by presenting a politically documented and accurate reflection of reality.

Many famed Iranian cineastes, such as Abbas Kiarostami, Amir Naderi, Jafar Panahi, Rakhshan Banietemad, Mohammad Reza Aslani, Khosrow Masooumi, Mahvash Sheikholeslami, and Soudabeh Babagap, have been his pupils or worked directly with him during their formative years. Shirdel’s films are considered to be veritable references for the social documentary and filmmaking in Iran. His films have been widely shown in famous international film festivals and a series of retrospectives have been dedicated to him and his works (Moscow, Krakow, Leipzig, Florence, Paris, Lisbon, Berlin, Stuttgart, Montreal, Toronto, Beirut, Sicily, Rome, London, UCLA, Chicago, Locarno, etc.).

He has also served in selection committees and as a jury member in many international festivals in Iran and abroad. He has been awarded in many of these festivals either for his films or for his lifetime achievements, such as LIFETIME ACHIEVEMENT AWARD he received during the Lebanese DOCUDAYS in November of 2003.

Kamran Shirdel is the founder and director of FILMGRAFIC CO. and also KISH INTERNATIONAL DOCUMENTARY FILM FESTIVAL (KIDFF), the only independent documentary film festival in Iran.

The Night It Rained (a.k.a. The Epic of Gorgani Villager)

night_it_rained1Conceived, Written and Directed by Kamran Shirdel.- Cameramen: Naghi Maasoumi, Kamran Shirdel.- Editing: Kamran Shirdel, Fati Dorostian.- Sound: Homayoun Pourmand.- Scripted Narration: Esmail Nouriala.- Narrator: Nosrat Karimi.- Produced by the Ministry of Culture and Art.- Running time: 35 min. B&W, 1967-74

Synopsis: The Night It Rained is undoubtedly Kamran Shirdel’s best film and a masterpiece in the history of documentary filmmaking. In northern Iran, a schoolboy from a village near Gorgan is said to have discovered that the railway had been undermined and washed away by a flood. As the story goes, when he saw the approaching train, he set fire to his jacket, ran towards the train and averted a serious and fatal accident. Shirdel’s film does not concentrate on the heroic deed promulgated in the newspapers, but on a caricature of social and subtle political behavior – the way in which witnesses and officials manage to insert themselves into the research into this event. Shirdel uses newspaper articles and interviews with railway employees, the governor, the chief of police, the village teacher and pupils, each of whom tell a different version of the event. In the end, they all contradict each other, while the group of possible or self-appointed heroes constantly grows. With his cinematic sleights of hand, Shirdel paints a bittersweet picture of Iranian Society in which truth, rumor, and lie can no longer be distinguished.

After completion the film was harshly banned and confiscated, and Shirdel was expelled from the Ministry. It was released seven years later in 1974 to participate in the Third Tehran International Film Festival, where it won the GRAND PRIX by a unanimous vote, only to be banned again until after the revolution.
Tehran Is the Capital of Iran (Tehran Paitakhte Iran Ast)

Tehran Is the Capital of Iran (Tehran Paitakhte Iran Ast)Written and Directed by Kamran Shirdel.- Cameraman: Mansour Yazdi,. Editing: Kamran Shirdel, Kazem Rajinia.- Produced by the Ministry of Culture and Art.- Running Time: 18 min., 23 sec. B&W, 1966-79

Synopsis: Tehran Is the Capital of Iran (1966-79) documents life in a deprived district in the south of Tehran. The images of destitution in Tehran’s poor areas is accompanied by a variety of spoken accounts: the official viewpoint on the district’s living conditions, what the inhabitants have to say, and occasional extracts read out of school manuals. The key element in Shirdel’s film is the counterpoint effect he creates with image and sound. His impressively powerful portrayal of social unease helps reinforce the impact of his astonishing documentary images and social themes.

The Women’s Quarter (Qaleh, a.k.a. The Red Light District)

women's quarterWritten and Directed by Kamran Shirdel.- Cameramen: Kamran Shirdel, Mansour Yazdi.- Editing: Kamran Shirdel.- Stills: Kaveh Golestan.- Produced by the Ministry of Culture and Art.- Running Time: 18 min., 23 sec..- B&W, 1966-80

Synopsis:The deeply moving Qaleh – The Women’s Quarter (1966) shows the life of prostitutes in Tehran’s city brothels, an area known as Shahre Now. The film closely follows a number of women and communicates how the burden of social constraints led them to surrender in the face of their common fate. By including photos in the film, a very unique and artistic approach that brings to mind Chris Marker’s classic La Jeteé, Shirdel not only tempers the subject’s emotional heaviness but also respects the individual’s privacy, two pitfalls that often afflict films that deal with themes of this nature. The film does explore the possibility of re-education and development for these women, but in no way does it paint over the hard and brutal reality. As the film closes, a magnificent scene shot in slow motion leaves us with the memory of this ugliness forever imprinted in our minds.

The film was produced on behalf of the Organization of Iranian Women and was immediately banned while shooting was still going on. After the revolution, a portion of the material was found, and Shirdel decided to finish the film using photos by the late Kaveh Golestan that were taken more than ten years after the film itself was shot.

Screened in Moscow, Krakow, Warsaw, Prague, Dehli, Bombay, Paris, Berlin, Dusseldorf, Reggio Calabria, Rome, Montreal, Lisbon, Matera, Helsinki, Leipzig, Beirut, Dubai, Doha, Chicago, UCLA, and others.

Awards:

  • Diploma of Honor (Moscow International Film Festival, 1980)
  • Fipresci Award (Krakow International Film Festival, 1980)
  • Best Documentary Award (Milad Film Festival, Iran, 1980)

Women’s Prison (Nedamatgah)

Womens-Prison-1Written and Directed by Kamran Shirdel.- Cameraman: Maziar Partow.- Editing: Kamran Shirdel, Kazem Rajinia.- Narration: Asadollah Payman.- Produced by the Ministry of Culture and Art .- Running Time: 10 min., 38 sec..- B&W, 1965

Synopsis: Women’s Prison recounts the life of the prisoners and the problems their families encounter in their struggle to survive. Here again filmmaker Kamran Shirdel employs the cinema verité style. The interviews with the prisoners, social workers and teachers serve as commentaries for “constructed” documentary images.

The technical process shows the extent to which solving social problems depends on everyone’s cooperation and participation. Certainly prisoners alone cannot offer the remedy to the entire catalog of social ills that propel these women into delinquency.

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(BRASIL) MINAMI EM CLOSE-UP de Thiago Mendonça

Minami em Close-up – a Boca em revista

El ganador del último premio Quijote en el Festival Internacional do Audiovisual de Atibaia 2010 otorgado por cineclubistas se incorpora al catálogo CINESUD

Sinopsis

La trayectoria de la revista de cine Close-up, que en los años 70 se convirtió en un éxito de ventas publicando fotos de actrices en poses sensuales y de su editor Minami Keizi, es el punto de partida para contarnos la historia de los films  de Boca do Lixo y de sus personajes.

Biografía del director

Thiago Mendonça estudió Sociología en la Universidad de São Paulo y cine en la  Universidad de Brasília. Escribe sobre cine y samba para periódicos y revistas brasileñas. Minami em Close-up es su primer film.

Ficha técnica

Documental DVD.  Versión original portugues subtitulado al español

Finalizado en 11/2008

Duración 19 min.

País de producción: Brasil

Formato de grabación: HD

Formato de proyección original: 35 mm  Ratio 1.85  Som Dolby SRD

Créditos:

Director y guionista: Thiago Mendonça

Produtora: Politheama Filmes

Produtor Ejecutivo: Van Fresnot

Director de Producción: Jorge Guedes

Fotografía:  André Carvalheira

Montaje y Edición de sonido: Fernando Fonini

Sonido directo: Miquéias Motta

Animación y finalización: Daniel Greco y Rafael Terpins

Música original: Zeca  Loureiro

Asistente de dirección: Pedro Martins

Documentación: Iana Paro

Personajes

Minami Keizi     – Editor de la revista Cinema em Close-up

Cláudio Cunha – director y actor

Luiz Gonzaga dos Santos – director

Davi Cardoso   – director y actor

Patrícia Scalvi   – actriz

Luiz Castilini     – director

Helena Ramos  – actriz

José Mojica Marins – director y actor

Índio Lopes – actor

Y otros…

Premios:

41o Festival de Brasília – Premio Mejor director  – jurado oficial 35 mm 2008

Festival de Artes Audiovisuales de La Plata FESAALP – Mejor cortometrage documental Argentina- 2009

Prêmio Dom Quixote – Federação Internacional de Cineclubes 2010. Atibada (Brasil)

20o Festival internacional de Curta-Metragens de São Paulo –Jurado popular 2009

Jornada Internacional de Cinema da Bahia – Tatu de ouro – mejor film / mejor trilha sonora – 2009

9o Goiânia Mostra Curtas – Prêmio Porta-curtas Petrobrás mejor film – 2009

2a Janela Internacional de Cinema de Recife –Mejor corto brasileiro – Jurado Federação Pernambucana de Cineclubes/FEPEC

Festival Internacional e Cinema de Itu – Mejor montaje –  2009

Festival de Campo Grande – Mención honorífica 2009

Festival de jurado popular – Mención honorífica 2009

Festivales Internacionales:

Festival de cine de Huelva – España 2009

Festival internacional du film D’amiens – Francia 2009

Festival de Artes Audiovisuales de La Plata FESAALP – Mejor cortometrage documental -Argentina- 2009

Sapporo Short Film Festival – Japón – 2009

International Short Film Festival de Barcelona  2009

Camera Mundo – 2ND Independent film festival – Rotterdam 2009

25o Festival de Cine de Bogotá –Bogocine – Colombia 2009

Mirades doc – Barcelona – España – 2009

Festival BrasilNoar – Barcelona –  España- 2009

Festivales Nacionales:

41o Festival de Brasília – Premio Mejor director  – jurado oficial 35 mm 2008

20o Festival internacional de Curta-Metragens de São Paulo – (jurado popular – 10 mejores) 2009

Jornada Internacional de Cinema da Bahia – Tatu de ouro – mejor film / mejor trilha sonora – 2009

2a Janela Internacional de Cinema de Recife – Sesión de apertura – 2009

9o Goiânia Mostra Curtas –Premio porta curtas de mejor film 2009

Festival de Campo Grande – Mención honrosa 2009

Festival do jurado popular – mención honorífica 2009

CINEOP – Festival de Cinema de Ouro Preto – Sesión especial 2009

Cine Sul – Rio de Janeiro – Muestra paralela 2009

Festival os melhores de 2008 – Universidad Federal Fluminense 2009

2o  Festival Internacional de Cinema de Paraty 2009

Mostra curta Pará – 2009

Festival Internacional de Curtas do Rio de Janeiro – Curta Cinema 2009

Festival Internacional de Cinema de Belo Horizonte 2009

Festival de Agulhas Negras 2009

Cinema Mundo -Festival Internacional de Cinema de Itu- 2009

Festival de Cinema de Vitória 2009

Festival de Atibaia Internacional do Audiovisual 2010

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(BRASIL) MUESTRA DE CORTOS SUBTITULADOS AL ESPAÑOL

Hay un dragón en mi baúl

Hay un dragón en mi baúl Rosária, Brasil| 2006 | Animación| Color| 1 min.

Mención Honorífica Premio Don Quixote en el 2 Atibaia International do Audiovisual| Brasil| 2007

La imaginación es la llave para invitar a personajes de otros mundos a visitar la realidad.

O-SANDUICHEO Sanduiche/ El Sandwich Jorge Furtado| Brasil| 2000| Ficción| Color| 12 min.

Premio Don Quixote en el Festival de Cine de Huesca |España| 2001

Los últimos momentos de un matrimonio, a la hora de la separación. Cualquier cosa puede ser el comienzo de otra.

Comprometendo a atuacaoComprometendo a atuação/Comprometiendo la actuación Bruno Bini| Brasil| 2007| Ficción| Color| 17 min.

Premio Don Quixote en 6 Santa Maria Vídeo e Cinema |Brasil | 2007

Wallace es un jugador de fútbol con un dilema. A los dieciocho años, tienen la oportunidad de ser convocado para un equipo de primera división. Pero eso dependerá mucho de la preparación, mucha concentración y no tener sexo antes del partido. Pero su guapa novia hace que cualquier jugador se desconcentre.

Desde hace más de quince años, la Federación Internacional de Cine Clubes (FICC) otorga el Premio Don Quixote, que representa un esfuerzo por reunir en un jurado a diversos integrantes del público organizado en asociaciones de cine clubes de varios países. Su objetivo es reconocer películas que interpretan ideales humanistas, a través de visiones artísticas que privilegian la imaginación y al ser humano, sobre ideologías y sistemas económicos o políticos. Las obras que han recibido este galardón -un diploma simbólico-, caracterizan el afán por romper límites y modelos establecidos, expresando la vocación innovadora del lenguaje fílmico universal, pero también manifiestan la diversidad de criterios, así como la variedad de visiones que constituyen la masa crítica de los espectadores activos.

El Premio Don Quixote se entrega actualmente en festivales de cuatro continentes. En América se ha otorgado en Cuba en en Festival del Nuevo Cine Latinoamericano y más recientemente en Brasil, en Atibaia International do Audiovisual y Santa Maria Vídeo e Cinema en Rio Grande do Sul.

El Festival Atibaia Internacional do Audiovisual es uno de los principales espacios en donde tiene una reunión lo mejor de las producciones en cortometraje que concursan a lo largo del año en diversos certámenes brasileños. Este festival, además de ofrecer una copiosa lista de materiales, también ha abierto las puertas para que se lleven a cabo las reuniones del Congreso Brasileño de Cine y el grupo Iberoamericano de Cine Clubes entre otras entidades dedicadas al audiovisual. También el festival Santa Maria Vídeo e Cinema ha participado activamente en el encuentro cineclubista y en la difusión de materiales a través de Cinesud.

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MUESTRA DE CINE ECUATORIANO: VECINOS DE LATITUD CERO

Las raíces que unen a Ecuador con Iberoamérica son muy antiguas y se enlazan en el mismo continente de los mayas y los incas. Al compartir herencias indígenas y colonización española, son profundos los vínculos y similares los desafíos del mestizaje que ha producido culturas ricas en diversidad. La migración y la riqueza natural son sellos compartidos, así como la compleja situación actual. Para entender las semejanzas, también es necesario subrayar los matices que distinguen a nuestros pueblos. El mosaico ecuatoriano merece ser conocido y explicado con sus propias voces y miradas.

En nuestros países, crece el imaginario de la violencia y el éxito, siempre con tensiones económicas y conflictos entre el campo y la ciudad. También son comunes los fenómenos de masa que afectan individualmente. Las diferencias entre la sierra y el mar se acentúan con los excluidos y los marginados económicamente. Hacia afuera, el viejo mundo sigue siendo un imán que igual da fortuna como miseria. Madrid es rudo y más para alguien sin papeles. En México eso es conocido cuando los migrantes se dirigen hacia Norteamérica.

A su vez, la industria cultural iberoamericana forme parte viva en Ecuador desde hace varias generaciones. Sin embargo, las imágenes ecuatorianas son poco familiares en otros lados de la línea que divide los polos. Sus contradicciones y la forma de encarar las utopías expresa el vigor político y estético a la mitad del mundo. En los últimos años, ha crecido la evidencia de que allá se hacen cada vez más películas documentales y de ficción que triunfan en casa y fuera de sus fronteras. Hay festivales dedicados a los géneros y a los formatos audiovisuales, así como un archivo fílmico que guarda valiosas copias y programa lo mejor del cine mundial sistemáticamente. También el cineclubismo allá es una herramienta educativa. Retrospectivas, encuentros y publicaciones forman parte del vocabulario cotidiano y en las principales ciudades hay exhibición cultural que llevan la cultura cinematográfica a cada vez más públicos. Se viven procesos de cambio en las mentalidades y se demuestra cómo la globalización tiene posibilidades de reivindicarse positivamente.

la-tigraLa Tigra

Camilo Luzuriaga

Ecuador| 1990| Ficción| Color| 80 min

En el corazón mítico del campo montubio ecuatoriano vive la indomable e implacable Francisca Miranda, más conocida como “la Tigra”, por su sensual belleza que ella utiliza liberalmente para mantener el dominio sobre su pequeño fundo campesino y sobre todos los que la rodean, incluyendo sus amantes y sus dos hermanas menores. Basada en el cuento de José de la Cuadra y filmada íntegramente en un poblado denominado Taina, de la provincia de Manabí.

taromenaniTaromenani, el exterminio de los pueblos ocultos

Carlos Andrés Vera

Ecuador| 2007| Doc| Color| 60min

El realizador desmonta el mecanismo de impunidad y corrupción que ha hecho posible la matanza de los indígenas no contactados en la Amazonía ecuatoriana.

fuera-de-juegoFuera de juego

Victor Arregui

Ecuador| 2003| Ficción| Color| 87min

Juan es un joven ecuatoriano de origen pobre que sueña con emigrar para escapar de la asfixiante situación de su país. En busca del dinero necesario para hacer realidad su sueño, termina involucrándose en hechos delictivos, impulsado por su desesperación y los efectos que sobre su familia y su entorno ocasionan el colapso social, económico y moral de su país.

problemas-personalesProblemas personales

Lisandra Rivera y Manolo Sarmiento

Ecuador| 2002| Doc| Color| 72 min

Antonio, Jorge y Jeovany son ecuatorianos que han llegado a Madrid en busca de trabajo. Antonio abre un lucrativo negocio de fin de semana y Jorge espera su regularización y Geovany deambula por la ciudad buscando trabajo. Las tres miradas diferentes sobre su futuro lejos o cerca de su patria.

tarjeta-rojaTarjeta roja

Rodolfo Muñoz

Ecuador| 2007| Doc| Color| 93 min

Producido por Rodolfo Muñoz, corresponsal de CNN en Ecuador. Este documental habla sobre la vida y trayectoria de uno de los referentes del fútbol ecuatoriano: Agustín Delgado. Pero va más allá, porque trata de un problema social al que, quizás, nadie quiere darle la cara: el racismo.

A cielo abierto, derechos minados“A cielo abierto, derechos minados”

Producido por la Comisión Ecuménica de Derechos Humanos, (CEDHU) y la dirección del cineasta ecuatoriano, César “Pocho” Álvarez  A cielo abierto, derechos minados ofrece con una mirada certera y sincera sobre lo sucedido en las poblaciones involucradas por la demanda al gobierno sobre la promulgación de la Ley de Minería y sus consecuencias.

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ALBUM DE FAMILIA. UN DOCUMENTAL SOBRE DIFERENTES DISCAPACIDADES

El documental “Album de familia” se incorpora al catálogo CINESUD. Este documental que trata sobre diferentes discapacidades es una película perfecta para un debate en profundidad sobre esta temática. Incorpora subtítulos en español (para personas con discapacidad auditiva), francés i inglés.

Documental (80′)
Producción: KINELOGY PRODUCCIONES AUDIOVISUALES, S.L.

Dirección: Frank Toro

SINOPSIS: Saltar en paracaídas, dar un concierto de hip-hop, bailar con muletas o dar clases en un instituto siendo ciega, son algunas de las actividades con las que nos sorprenden los protagonistas de ÁLBUM DE FAMILIA. Personas muy diferentes pero que comparten la circunstancia de vivir condicionadas por una discapacidad. A lo largo del documental el espectador acompaña a los protagonistas en su día a día descubriendo realidades que sin duda le harán reflexionar sobre el significado de la lucha y la superación personal. ÁLBUM DE FAMILIA cuenta con la colaboración de la Consejería de Familia y Asuntos Sociales Comunidad de Madrid y del CERMI Comunidad de Madrid (Comité Español de Representantes de Personas con Discapacidad).Sin la entusiasta colaboración de esas entidades ÁLBUM DE FAMILIA no sería hoy una realidad.

Podeis ver todos los datos en http://www.kinelogy.com/

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(VENEZUELA) “TO EXIST IS TO RESIST”. DOCUMENTAL SOBRE EL MOVIMIENTO OKUPA EN VENEZUELA

Os presentamos un nuevo documental incorporado al catálogo CINESUD. Estedocumental sobre los “Sin techo” venezolanos, su lucha y su organización se suma a la línea de documental social de nuestro catálogo.

Del Venezuela de ayer nació el Venezuela de hoy, víctima de políticas latifundistas y de una segregación social que aleja una parte de su población de los recursos económicos y sociales básicos (trabajo, salud, educación…). Una segregación que implica que la existencia esté vinculada a la resistencia, disfrazando una lucha de clase en un combate para la dignidad de un techo…

“To Exist is to Resist” es el testimonio de una lucha que sobrepasa el marco del país donde tiene lugar, la lucha por la vivienda, proponiendo una reflexión sobre la propiedad privada en la voz de los que ya tomaron más de 160 edificios en el país de la Revolución Bolivariana.

A lo largo de esta película, entramos en el corazón del “Comité Nacional de los Sin Techo” por medio de sus principales protagonistas, soldados soñadores, soldados tomadores, tomando edificios abandonados para devolverlos al pueblo. Este pueblo que construyó el techo, las paredes y que observaba des del exterior esta puerta cerrada con llave….

FICHA TÉCNICA

Documental. Venezuela/Francia. 2007. 50’. Lengua: Español con subtítulos en francés

Dirección: Matias Lecoq

Con la colaboración de Anna garcía Miquel

Producción SPLY Prod y el Movimiento del tigre Azul

Montaje: Alexandra lang

Sonido: Nicolas Dornier

Grafismo: Françoise Girerd

Calibración: Máxime Gerigny

Podeis descargaros el cartel y el dossier completo en español y frances en

http://www.toexististoresist.com/%3A%3ATO_EXIST_IS_TO_RESIST%3A%3A/DOCU_-_Download.html

Français

Du Venezuela d’hier est né le Venezuela d’aujourd’hui, victime de politiques “latifundistes” (grandes propriétés) et d’une ségrégation sociale qui éloigne une partie de sa population des ressources économiques et sociales basiques (travail, santé, éducation…). Une ségrégation qui veut que l’existence soit liée à la résistance, déguisant une lutte de classes en un combat pour la dignité d’un toit… “To Exist is to Resist” témoigne d’une lutte qui dépasse le cadre du pays ou elle a lieu, la lutte pour l’habitat, en proposant une réflexion sur le statut de la propriété privé par la voix de ceux qui ont déjà pris plus de 160 immeubles au pays de la Révolution Bolivarienne.

Tout au long de ce film, on rentre dans le coeur du “Comité National des Sin Techo” par le biais de ses principaux acteurs, soldats reveurs, soldats preneurs, prenant des immeubles abandonnés pour les rendre au peuple. Ce peuple qui a construit le toit, les murs et qui regardait de dehors cette porte fermée à clef….

Documentaire. Venezuela / France. 2007. 50’. Langage: Espagnol avec des sous-titres en français

Réalisateur: Matias Lecoq

Avec la colaboration de Anna garcía Miquel

Production SPLY Prod et el Movimiento del tigre Azul

Montage: Alexandra lang

Son: Nicolas Dornier

Graphisme: Françoise Girerd

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(ESPAÑA) 4 FILMS QUE NOS HABLAN DE LA REALIDAD EN LA FRONTERA HISPANO-MARROQUÍAD

Estas sesiones están a vuestra disposición para programarlas en cineclubs y entidades sin ánimo de lucro. Àlex Muñoz es videógrafo y fotógrafo. Desde el 2000, viene desarrollando su proyecto Frontera Sur, a las dos bandas de la frontera más desigual del mundo, la hispano-marroquí. Ahora mismo está editando un documental sobre Hip Hop, grabando un corto sobre naturaleza y experiencias de mística salvage,  realizando vídeos sobre procesos terapéuticos con madres maltratadas y relizando un proyecto expositivo sobre la “Historia del movimiento obrero en la comarca del Bages” entre otros. Ha realizado exposiciones y proyecciones de sus trabajos en Generalli Fundation (Viena), White Chapel Gallery (London), OVNI CCCB (Barcelona), Fadaiat Tarifa, La Casa Encendida (Madrid), CECUT de Tijuana, CCMEX de MexicoD.F., Shedhalle (Zürich), Trans-Inmigración, (Zaragoza), Space Invaders Macba (Barcelona), …

Frontera Sur.-

2002 -13′. Documenta. Lenguaje: español

En la frontera, la línea como principio de propiedad adquiere su dimension, definiendo físicamente la esfera de las relaciones. Diariamente, aquellos que la transgreden, reconstruyen estas lineas imaginarías, re-definen la geografía tradicional y ocupan los no-lugares, donde “los otros” existen de forma temporal. “Los otros”, los no ciudadanos, son fantasmagóricas piezas intercanviables de un mercado flexible. Son seres casi invisibles permanentemente controlados por la tecnología. Con el pretexto de una mayor seguridad ciudadana se los aparta de los espacios públicos, reservados para los ciudadanos con derechos. La frontera, imprescindible para justificar una difusa identidad europea, es mantenida mediante la militarización fronteriza, y vigilada y explotada por ONGs y multinacionales.. (Premio Sos Racismo Madrid 2004).

La Foret

2005 .- 33′ .- Documental. Español y árabe con subtítulos en español

En Febrero de 2005 los inmigrantes del bosque de Benyounes, muy cerca de la valla que separa Ceuta de Marruecos, deciden hacer un vídeo para visibilitzar los efectos de la subcontratación de Marruecos por parte de la Unión Europea., del control de la frontera hispanomarroquí: violaciones sistemáticas de los derechos humanos al territorio de un estado dictatorial financiadas con los impuestos de los ciudadanos de la democrática Unión Europea. (Premi Mostra’t Manresa 2007). http://www.blogsandocs.com/?p=56

Caravana europea contra el muro de la muerte

2006 – 22′ Documental. Español y árabe con subtítulos en español

Ceuta, que siempre ha sido gobernada por la derecha, es la puerta de entrada en Europa para miles de inmigrantes subsaharianos. Esta caravana, organizada por una red informal de personas y organizaciones europeas, fue la primera manifestación a favor de los inmigrantes en la historia de Ceuta. Tuvo lugar tras el asesinato a tiros de más de 14 personas cuando intentaban saltar la valla fronteriza.

Solo Valiente

2007 – 60′ Documental. Español y árabe con subtítulos en español El puerto de Tánger es el lugar de tránsito por dónde pasan a diario cantidad de viajeros y de mercancías en grandes camiones TIRO hacia toda Europa.Multitud de niños y adultos esperan su oportunidad para esconderse en los bajos de un camión y pasar la frontera. La mayoría tienen casa y familia. No son “sin techo”. Los que vienen de lejos optan por instalarse entre los containers o en alguien rincón mas o menos escondido del puerto. Las personas de Tánger pasan un tiempo volviendo a casa a recuperar fuerzas hasta el próximo intento. Abdelghani es uno de estos niños menores de edad que han decidido dejar su familia al Sur de Marruecos por intentar cruzar a España.

FILMOGRAFIA ALEX MUÑOZ RIERA

http://www.elhombredelacamara.net

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